MARIA SEVERA ONOFRIANA

Maria Severa Onofriana (Lisboa, 1820 — Lisboa, 30 de Novembro de 1846) foi uma cantora portuguesa de fado, considerada a mítica fundadora do fado, caracterizada pelos seus fados lisboetas.

A Severa nasceu em Lisboa, no Bairro da Mouraria, em 1820. Era filha de Severo Manuel e Ana Gertrudes. A sua mãe era proprietária de uma taberna e tinha por alcunha "A Barbuda", devido à barba que tinha na cara. A Severa era uma prostituta alta e graciosa, que cantava o fado (especialmente numa taberna da Rua do Capelão). Teve vários amantes conhecidos, entre eles o Conde de Vimioso (Dom Francisco de Paula Portugal e Castro) que, segundo a lenda, era enfeitiçado pela forma como cantava e tocava guitarra, levando-a frequentemente à tourada.

Morreu de tuberculose a 30 de Novembro de 1846 na rua do Capelão, na Mouraria, em Lisboa, tendo sido sepultado no cemitério do Alto de S. João numa vala comum.

A sua fama ficou a dever-se em grande parte a Júlio Dantas cuja novela "A Severa" viria a originar uma peça levada à cena em 1901, bem como ao primeiro filme sonoro português realizado por Leitão de Barros em 1931.

GEORGE BASELITZ

George Baselitz (1938 )German Expressionist Artist.

Born 23 January 1938 as Hans-Georg Kern in Deutschbaselitz/Saxony, in what was later East Germany. His father is an elementary schoolteacher and the family lives in the local schoolhouse; in its library, Baselitz comes across albums of nineteenth-century pencil drawings – his first encounter with art. He acts as assistant to nature photographer Helmut Drechsler on occasional “ornithological shoots.”

1950-1955 The family moves to the county town of Kamenz. Baselitz attends the local ‘Gymnasium,’ in the assembly hall of which hangs a reproduction of the painting “Wermsdorfer Wald” (1859) by Louis-Ferdinand von Rayski. He reads the writings of Jakob Böhme. At the age of 14-15, he paints portraits, religious subjects, still lifes and landscapes, some in a futuristic style.

Baselitz’s style is Expressionist. His speciality is to paint his subjects the other way around to free the subject from its content. Baslitz is one of the world’s best-selling living artists. He is a professor at the renowned Hochschule der Künste in Berlin.

In 1955, he applies to study at the Kunstakademie in Dresden but is rejected. . In 1956, he began to study art at the Hochschule für Bildende und Angewandte Künste in East Berlin , from which he was expelled in 1957 for “socio-political immaturity.” Nonetheless, the same year he continued to pursue his art studies at the Staatliche Hochschule für Bildende Künste in West Berlin . Leaving East Germany , where Socialist Realism served to further the state’s ideology, he then discovered that in the West the “uniform language of an abstract expressionism had degenerated to become mere design.” Baselitz’s status as an outsider had not changed.

Autobiographical elements were present in Baselitz’s painting from the outset, especially in his representation of people and landscapes. However, it was not until Baselitz’s 1996 series “Family Pictures” that they became the artist’s dominant theme.

FRANZ MARC

Franz Marc (Múnich, 8 de febrero de 1880 – Braquis, cerca de Verdún, 4 de marzo de 1916), pintor alemán. Fue uno de los principales representantes del movimiento expresionista alemán.

Comenzó sus estudios en 1900, en la Academia de Bellas Artes de Múnich. Sus primeras creaciones fueron de estilo naturalista, pero en su viaje a París en 1903 descubre el impresionismo y, sobre todo, la obra de Vincent Van Gogh. En 1910, hizo amistad con los pintores August Macke y Wassily Kandinsky, con quienes fundó, junto a otros pintores, el movimiento artístico Der Blaue Reiter. Murió en una acción de guerra durante la Primera Guerra Mundial.

Fue influenciado por el uso del color de Robert Delaunay. Cada vez se acercó más al futurismo y al cubismo. Su obra evolucionará con el tiempo hacia una mayor abstracción y sobriedad, hasta culminar en la abstracción expresiva.

La parte de su obra más conocida son los retratos de animales. Estas obras se caracterizan por la brillantez de colores primarios, el cubismo, la simplicidad y un profundo sentido de la emoción. El tema es la fuerza vital de la naturaleza, el bien, la belleza y la verdad del animal que el autor no ve en el hombre, al cual no representa. Marc intenta representar el mundo tal como lo ve el animal, mediante la simplificación formal y cromática de las cosas. Usa cada color para denotar un significado: azul para la austeridad masculina y lo espiritual,amarillo para la alegría femenina, y el rojo para la violencia.

LAWRENCE FERLINGHETTI

Lawrence Ferlinghetti es un poeta y editor norteamericano, perteneciente a la generación beat. Nació el 24 de marzo de 1919 en Yonkers, Nueva York. Tuvo una infancia difícil, su padre inmigrante murió antes de que él naciera, la madre tuvo un quiebre nervioso cuando él tenía 2 años, y por lo tanto, fue criado por su tío materno Ludovic y su tía de habla francesa Emily. Cuando se separaron, Lawrence fue a vivir con su tía a Francia. Al regresar vivió en un orfanato mientras su tío buscaba trabajo en Manhattan. Se educó en la Universidad de Carolina del Norte (1937-1941), donde obtuvo el título de periodismo; obtuvo una maestría en la Universidad de Columbia y el doctorado en la Universidad de la Sorbona. Durante la segunda guerra mundial fue un oficial al mando durante la invasión de Normandía. Como periodista trabajó en la revista Time. Lawrence Ferlinghetti se convirtió en un miembro de IMMAGINE&POESIA del Comité Honorario en 2009.

Speak Out!

by LAWRENCE FERLINGHETTI

And a vast paranoia sweeps across the land

And America turns the attack on its Twin Towers

Into the beginning of the Third World War

The war with the Third World

And the terrorists in Washington

Are drafting all the young men

And no one speaks

And they are rousting out

All the ones with turbans

And they are flushing out

All the strange immigrants

And they are shipping all the young men

To the killing fields again

And no one speaks

And when they come to round up

All the great writers and poets and painters

The National Endowment of the Arts of Complacency

Will not speak

While all the young men

Will be killing all the young men

In the killing fields again

So now is the time for you to speak

All you lovers of liberty

All you lovers of the pursuit of happiness

All you lovers and sleepers

Deep in your private dreams

Now is the time for you to speak

O silent majority

Before they come for you

Noviembre es una película de cine española dirigida por Achero Mañas. Elaborada como un falso documental del grupo español de teatro Noviembre.

Empujado por un espíritu que todavía conserva su barniz de idealismo, Alfredo decide crear un "arte más libre, hecho con el corazón, capaz de hacer que la gente se sienta viva". Su concepto del teatro empieza más allá del escenario, se traslada a pie de calle, cara a cara con el público. Allí, en una plaza cualquiera, en un parque o en la avenida más comercial de la ciudad, Alfredo y su grupo Noviembre comienzan la función...No hay límites ni censuras, solo hay ideas que deben lograr que el espectador deje de ser espectador y pase a formar parte de la representación. El teatro como la vida, la vida como el teatro...ya no hay diferencia.

Andrea Pazienza ( 23 de mayo de 1956, San Benedetto del Tronto, Marcas, Italia - 16 de junio de 1988, Montepulciano, Toscana) fue un historietista y pintor italiano.

En 1974 se incribe al DAMS de la Universidad de Bolonia, carrera que deja a dos exámenes de la graduación. Vive los años de la contestación juvenil, que sirven de telón de fondo para Le straordinarie avventure di Pentothal, primer trabajo publicado de Pazienza («Alter Alter», 1977). En la facultad encuetra otros artistas y escritores como Pier Vittorio Tondelli, Enrico Palandri, Giacomo Campiotti, Gian Ruggero Manzoni y Freak Antoni. Junto a Filippo Scozzari, Stefano Tamburini, Massimo Mattioli e Tanino Liberatore, funda en 1977 la editorial Primo Carnera Editore y la revista «Cannibale». Desde 1979 a 1981 colabora con el semanario «Il Male». Con el grupo de «Cannibale» y Vincenzo Sparagna funda en 1980 la revista mensual «Frigidaire», en cuyas páginas aparece Zanardi. La colaboración con Frigidaire revela en Pazienza, dada su intolerancia a los ritmos y las presiones editoriales, un autor extremadamente prolífico. Solamente en los primeros meses de la revista, Pazienza realiza argumentos y dibujos para decenas de historias en blanco y negro, a colores, y con técnicas mixtas. Entre los personajes destacan Francesco Stella, L'investigatore senza nome y Pertini (para un álbum especial "dibujado en tres días" - dice Pazienza). El artista realiza también muchas cubiertas de discos, un calendario, algunos pósters, y muchos afiches publicitarios. Además, participa con Tamburini y Scozzari en diversos proyectos, e ilustra artículos y cuentos, por petición del director Sparagna. Ya siendo una conocida figura de la historia, no desdeña las contribuciones de autores menos conocidos en sus historias (Nicola Corona, Marcello D'Angelo, y una serie de coloristas para Zanardi).

Pazienza se dedica a la docencia, primero en la Libera Università di Alcatraz(Santa Cristina di Gubbio) de Dario Fo y coordinada por el hijo éste, Jacopo. Luego, en 1983, funda en Bologna con la colaboración de la ARCI local, la Scuola di Fumetto e Arti Grafiche Zio Feininger, junto a Magnus, Lorenzo Mattotti y Silvio Cadelo, entre otros. Aquí enseña personalmente un curso hasta junio de 1984. Algunos de sus estudiantes fueron Francesca Ghermandi, Alberto Rapisarda, Enrico Fornaroli y Sauro Turroni. Pazienza cuenta su experiencia de profesor algunos años después en la novela gráfica Pompeo.

No querendo limitarse al cómic y expresándose en los más diversos ámbitos del diseño gráfico, Pazienza firma durante estos años afiches cinematográficos (entre los cuales cabe mencionar La ciudad de la mujeres de Fellini en 1980, y el que hizo para Lontano da dove, dirigida por Stefania Casini e Francesca Marciano), videoclips (Milano e Vincenzo de Alberto Fortis y Michelle de the Beatles para el programa de RAI UNO Mister Fantasy), carátulas de discos (como Robinson de Roberto Vecchioni y Sos brothers de Enzo Avitabile) y campañas publicitarias. Trabaja para su amado mundo del teatro, realizando escenografías e ideando afiches.

NAM JUNE PAIK

Nam June Paik (July 20, 1932 – January 29, 2006) was a Korean-born American artist. He worked with a variety of media and is considered to be the first video artist.^[1]

Paik is credited with an early usage (1974) of the term "super highway" in application to telecommunications.

Born in Seoul during the Japanese occupation, the youngest of five siblings, Paik had 2 older brothers and 2 older sisters. His father owned a major textile manufacturing firm. As he was growing up, he was trained as a classical pianist. In 1950, Paik and his family had to flee from their home in Korea, during the Korean War. His family first fled to Hong Kong, but later moved to Japan. Six years later he graduated from the University of Tokyo where he wrote a thesis on the composer Arnold Schoenberg.

Paik then moved to Germany to study the history of music at Munich University. While studying in Germany, Paik met the composers Karlheinz Stockhausen and John Cage and the conceptual artists Joseph Beuys and Wolf Vostell who inspired him to work in the field of electronic art.^[2]

Paik was known for making robots out of television sets. These were constructed using pieces of wire and metal, but later Paik used parts from radio and television sets. A retrospective of Paik's work was held at the Whitney Museum of American Art in the spring of 1982. During the New Year's Day celebration in January 1, 1984, he aired Good Morning, Mr. Orwell, a live link between WNET New York, Centre Pompidou Paris, and South Korea. With the participation of John Cage, Salvador Dalí, Laurie Anderson, Joseph Beuys, Merce Cunningham, Allen Ginsberg and Peter Orlovsky, George Plimpton, and other artists, Paik showed that George Orwell's Big Brother hadn't arrived. In 1986, Paik created the work Bye Bye Kipling, a tape that mixed live events from Seoul, South Korea; Tokyo, Japan; and New York, USA. Two years later, in 1988 he further showed his love for his home with a piece called The more the better, a giant tower made entirely of 1003 monitors for the Olympic Games being held at Seoul.

Dogma 95 (en danés Dogme 95) es un movimiento fílmico desarrollado en 1995 por los directores daneses Lars von Trier, Thomas Vinterberg, Kristian Levring y Soren Kragh-Jacobsen. Su meta es producir películas simples, sin modificaciones en la posproducción, poniendo énfasis en el desarrollo dramático.

En 1995 Lars Von Trier y un grupo de directores entre ellos Thomas Vinterberg y Soren Kragh-Jacobsen dieron a conocer un documento en el que planteaban la necesidad de modificar la forma de realizar el relato cinematográfico. Ese documento resultó ser el impulso inicial de un movimiento llamado Dogma 95 (Dogme 95). Los directores en cuestión se comprometían a tratar sus películas respetando una serie de normas estrictas a partir de las cuales buscaban encontrar la verdad profunda. Las películas filmadas de acuerdo a este movimiento deben ser filmadas en escenarios naturales evitando las escenografías armadas en los estudios, con cámara en mano o al hombro, grabada con sonido directo y sin musicalizaciones especiales. Todas estas especificaciones buscan dar a la historia un tono más realista. Dogma era el intento más audaz y conspicuo de reinventar el cine desde Jean-Luc Godard.

Las películas Dogma, se caracterizan por lucir un certificado que otorga la autenticidad del proyecto y de un número de matrícula. Este certificado lo expide un comité de jueces que valoran la película y se ciernen que cumple con el voto de castidad. Películas como El proyecto de la bruja de Blair de Daniel Myrick y Eduardo Sánchez, fueron rechazadas por no cumplir el voto número 8, ya que en este caso se trataba de una película de terror.

Si bien el voto de castidad dice en el número 9, que el formato de las películas deben ser en 35mm, se sabe que varias películas como La celebración y Los idiotas fueron hechas en video. En una entrevista a Lars von Trier el 4 de noviembre de 1999, se le pregunta por qué se denomina a estas películas como Dogma, si están hechas en video. Lars von Treir contesta que hablando con Søren Kragh llegaron a la conclusión de que es muy difícil para un cameraman cargar una cámara de 35mm y que además por una cuestión de presupuesto se decidió grabar en video, adaptando esa regla a que el formato de distribución es el que debe ser en 35mm.

Mike Leigh OBE (n. 20 de febrero de 1943) es un director de cine y teatro británico. Leigh nació en Broughton, Salford, Lancashire en el seno de una familia judía inmigrante. De hecho, su apellido original era Lieberman pero se cambió antes del nacimiento de Leigh. Su padre el doctor Alfred Abraham Lieberman trabajaba como médico en la zona trabajadora de Salford, cerca de Manchester. pasó por la Royal Academic of Dramatic Art, la Camberwell School of Art, en la Central School of Art and Design y la London International Film School Leigh antes de debutar a finales de los años 60 como director, representando dramas y comedias sociales tanto en el teatro como en la televisión. En los capítulos hechos para televisión, elegía a su actriz fetiche Alison Steadman (con la que se casaría en 1973) y solía escoger prototipos de la clase obrera londinense. Después de la experiencia televisiva, Leigh debuta en la gran pantalla con Bleak Moments (1972). Ya desde sus inicios dejó claro cuál iba a ser el estilo Mike Leigh: lectura social y urbana y centrando el argumento en los problemas habituales de la clase media británica.

En principio, Leigh no sería entendido y, después del fracaso de su primer film, Leigh tuvo que volver a realizar telefilms como Hard Labour (1973), Nuts in may (1976), Abigail’s Party (1977), Meantime (1984) o Four days in July (1985). Siempre con el sello característico de Leigh: la sátira e ironía sobre el día a día del trabajador británico en plena época de Margaret Thatcher.

No sería hasta la segunda mitad de la década de los 80 cuando Leigh volvería a probar suerte con el cine. Sería con Grandes ambiciones (1986), una sátira por la que Mike Leigh fue premiado en el Festival de Venecia.

La década de los 90 ofrecería al público mundial conocer la figura de Mike Leigh. La vida es dulce (1990), Indefenso (1993), marcaron ese estilo. Precisamente con este último film se ve al Leigh másd sarcástico y absurdo. Por Indefenso el director consiguió el premio al mejor director y David Thewlis el de mejor actor en Festival de Cannes.

Pero sería con Secretos y mentiras (1996) por el que confirmarían al autor inglés como uno de los mejores cineastas de su país. De hecho, Secretos y mentiras fue una de las grandes irrupciones en la nominación de los Oscar al conseguir cinco nominaciones, entre ellos la de mejor película. Aparte de esto, la película consiguió también la Palma de Oro en Cannes, y el premio como mejor actriz para Brenda Blethyn.

Los siguientes títulos de Leigh serian Dos chicas de hoy (1997), film sobre el encuentro entre dos antiguas amigas universitarias, y Topsy-Turvy (1999), un biopic sobre los compositores W. S. Gilbert y Arthur Sullivan. Esta película estuvo nominada cuatro estatuillas del premio Oscar (entre ellas a Mike Ligh en la categoría la de mejor guión original). Al final, ganaría la de mejor maquillaje y la mejor dirección artística.

Tsai Ming-liang (Chinese: 蔡明亮; pinyin: Cài Míngliàng) (born October 27, 1957) is one of the most celebrated "Second New Wave" film directors of Taiwanese Cinema, along with earlier contemporaries such as Hou Hsiao-Hsien and Edward Yang. His films have been acclaimed worldwide and have won numerous film festival awards.

Tsai is a Chinese born in Malaysia and lived in a kampong for over 20 years, after which he moved to Taipei, Taiwan. This, he says, had "a huge impact on [his] mind and psyche," perhaps later mirrored in his films. "Even today," says Tsai, "I feel I belong neither to Taiwan nor to Malaysia. In a sense, I can go anywhere I want and fit in, but I never feel that sense of belonging."^[1]

He graduated from the Drama and Cinema Department of the Chinese Culture University of Taiwan in 1982 and worked as a theatrical p

Tsai's film honours include a Golden Lion (best picture) for Vive L'Amour at the Venice Film Festival in 1994; the Silver Bear/Special Jury Prize for The River at the 1997 Berlin International Film Festival; the FIPRESCI award for The Hole at the 1998 Cannes Film Festival;^[2] and the Alfred Bauer Award and Silver Bear for Outstanding Artistic Achievement for The Wayward Cloud at the 2005 Berlin International Film Festival.

All of his feature films have starred Taiwanese actor Lee Kang-sheng.

The Malaysian Censorship Board on 4 March 2007 decided to ban Tsai's latest film shot in Malaysia, I Don't Want to Sleep Alone, based on 18 counts of incidents shown in the film depicting the country "in a bad light" for cultural, ethical, and racial reasons. However, they later allowed the film to be screened in the country after Tsai agreed to censor parts of the film according to the requirements of the Censorship Board.^[3]

In 2003, he was voted by UK newspaper The Guardian as #18 of the 40 best directors in the world

roducer, screenwriter, and television director in Hong Kong.