HE CHENGYAO

Chengyao He was born in Sichuan, China and lives in Beijing. She graduated from the Sichuan Fine Art University in 1989. Her solo shows include the Live Arts He Chengyao, One World Art Center, Beijing; He Chengyao's Live Art Photographs Exhibition, Soobin Art Gallery, Singapore; and Juhua Space, Shanghai, China.

More recent work has appeared in the following: Busan Biennale, Korea; Asian Women's Art, Tokyo Joshibi University's Art Museum, Japan; The New Vision of Chinese Photography, Taibei Modern Art Museum, Taiwan; Cruel\Loving Bodies, Duolun Museum of Modern Art, Shanghai; 798 Space, Beijing, Art Center Hongkong, China; 14th Rencontre Internationale Art Performance Quebec; LE LIEU Centre Art Action, Quebec City; and Clark Gallery Montreal, Canada. She was included in a panel discussion and exhibition of Asian-Pacific Women Artists at Taipei Artist Village, Taiwan. TheChina Live Art exhibition toured to eight art centers in Britain. Reshaping Contemporary China Arttoured to the Millennium Art Museum, Beijing, China and The University at Buffalo Art Galleries, New York, USA. Other group shows include the Southeast Asia Performance Art Symposium and7th Asiatopia Performance Art Festival, Queens Gallery, Tanland. Her performance art documentations from China include SUMU Titanik Gallery, Finland; International Exhibitionist, Curzon Soho Cinema, London, UK; and the ”Vital”-International Chinese Live Art Festival, Chinese Arts Centre, Manchester, UK.

Chengyao He was a featured artist in Global Feminisms at the Brooklyn Museum, curated by Maura Reilly and Linda Nochlin.

MERCÈ RODOREDA

VANDERVART RESET FROM BARCELONA...THANKS TO ALL FOR WAITING UNTIL NOW...


Mercè Rodoreda i Gurguí (Barcelona (España), 10 de octubre de 1908 – Gerona, 13 de abril de 1983), fue una escritora catalana. Está considerada, la escritora de lengua catalana, contemporánea más influyente,³ tal como lo atestiguan las referencias de otros autores a su obra y la repercusión internacional, con traducciones a cuarenta idiomas diferentes.^{Notas 1 4}Su producción abarca todos los géneros literarios; Rodoreda cultivó tanto la poesía como elteatro o el cuento, aunque destaca especialmente en la novela. En el año 1954, Mercè Rodoreda y Armand Obiols se trasladaron a un apartamento de la calle Violet, en un barrio burgués de la ciudad deGinebra.Fue en esta ciudad en la que escribió (1960) su obra más aclamada, La plaça del diamant (La plaza del diamante), considerada como la novela más importante de la narrativa catalana de la posguerra. Ambientada en el barrio barcelonés de Gràcia, la novela narra la historia de Colometa, una mujer como tantas otras a la que la guerra civil destroza la vida y las esperanzas. La plaça del diamant es a la vez una novela histórica, psicológica y costumbrista. La empezó a escribir en 1959 con el nombre de Colometa, aunque en 1962 sería publicada ya con su nombre conocido La Plaza del Diamante por el Club dels Novel·listes.

ALAIN RESNAIS

Alain Resnais ([alɛ̃ rɛnɛ]; Vannes, 3 de junio de 1922) es un director, guionista de cine y montador francés; junto a François Truffaut y Jean-Luc Godard, entre otros, fue una de las principales figuras de la Nouvelle vague ('Nueva Ola') del cine francés, que revolucionó el concepto del montaje y la fotografía.Fascinado por el cine, desde pequeño —a los 14 años filmo su primer corto en 8 mm—, Resnais estudió en el Institut des hautes études cinématographiques de París. Comenzó su carrera tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, como montador para otros directores, mientras se abocaba a la dirección de cortometrajes sobre temas artísticos y sociales. En 1950 su atrevido corto sobre la vida deVincent van Gogh, que formaba parte de una serie de cortometrajes dedicados a temas de pintura, junto a Gauguin y Guernica. El uso de la narración en off, anticipaba los recursos que Resnais desarrollaría en sus siguientes obras, entre ellas la también premiada Les statues meurent aussi, correalizada con Chris Marker, un ensayo fílmico sobre la interpretación colonialista de las obras de arte.

Volvió a trabajar con Marker en 1955 en un estudio sobre el Holocausto (Nuit et brouillard, Noche y niebla) con texto de Jean Cayrol, quien había estado prisionero en un campo de concentracióndurante la guerra. El documental, de estética mesurada, no se concentra en el horror visceral de la guerra y el exterminio, como haría luego Shoah (1985), sino que explora, mediante el montaje de material de archivo, los medios que el régimen desarrolló para hacer invisible esta experiencia; la niebla del título alude tanto al sigilo con que tenían lugar las deportaciones a los campos como al voluntario velo que el pueblo alemán echó sobre la degradación a la que sus vecinos y compañeros fueron sometidos. El film es una verdadera joya pero, en su momento, pasó bastante desapercibido en los festivales en los que se pasó. También rodó un documental sobre la Biblioteca Nacional, Toute la mémoire du monde (1956). En 1958 rodó Le chant du Styrène, una visita a las fábricas Péchiney, en la que le sirvió de guía el novelista Raymond Queneau.

PINA BAUSH

Pina Bausch, nombre artístico de Philippine Bausch (Solingen, 27 de julio de 1940 - Wuppertal, 30 de junio de 2009), fue una bailarina, coreógrafa y profesora de danza alemana, y una de las grandes figuras de la danza internacional contemporánea.Nació en 1940, en plena Segunda Guerra Mundial, en una ciudad situada en el corazón industrial de Alemania. Sus padres tenían un restaurante. Pina Bausch empezó de niña a conocer el mundo de la danza y la música, concluida la guerra.

Muy pronto, en 1959 había sido dirigida ya por Kurt Jooss en Essen; y cuatro años más tarde vuela a Nueva York: tenía sólo 19 años. Sigue allí estudios con la Julliard School; baila en el Metropolitan y en la New York City Opera, siendo influenciada por la obra de Martha Graham.

Vuelve a Alemania reclamada por Kurt Jooss en 1961. Hace el ballet inaugural en su carrera: Fragment en Essen. Luego hace una coreografía para la ópera Wuppertal, que será su destino definitivo, al que se le asocia su nombre por su trabajo ininterrumpido hasta 2009. En efecto, Pina Bausch ha sido directora del teatro de baile de su mismo nombre, situado en la ciudad de Wuppertal. Sus versiones de Gluck y su novedoso Café Müller, 1978, llamaron la atención en Europa.

Sus espectáculos han pasado por París, Madrid, Río de Janeiro, Nueva York o Tokio; por todo el mundo (cf. Sitio oficial de Pina Bausch). Muchas de sus obras se han difundido por vídeo y DVD, por lo que hoy puede conocerse bien sus trabajos más importantes. Su película El lamento de la emperatriz, de 1990, muestra bien la forma de representación de Pina: lentitud en los movimientos, reiteraciones rituales, peso de la palabra crítica, reflejo de la violencia social, evocación de la belleza.

Fue la figura más destacada de la danza alemana, y una de las mayores de la danza internacional hasta su muerte. Recibió el premio Goethe en 2008. Falleció repentinamente de cáncer, a los 68 años, el 30 de junio de 2009, cuando desarrollaba con su grupo la pieza "Como el musguito en la piedra ay , si, si , si" un fragmento de la canción Volver a los 17 de la cantautora chilena Violeta Parra, que inspiró a Pina en su última visita a Chile.

En 2011, un gran amigo, el cineasta Wim Wenders, rodó la película Pina, sobre su coreografía; para Wenders, a través del movimiento corporal, "Pina era capaz de que todo cobrase vida, le bastaba con interrogar a sus bailarines y esperar a sus respuestas.¹

DAVID HOCKNEY

Hockney nació en Bradford. Estudió en la Bradford Grammar School, en el Bradford College of Art y en el Royal College of Art en Londres donde conoció a Roland B. Kitaj. Mientras todavía estaba en el Royal College of Art Hockney fue presentado en la exposición Young Contemporaries al lado de Peter Blake que anunciaba la llegada del British Pop Art.

A veces, como en We Two Boys Together Clinging (1961), titulado tras el poema de Walt Whitman, estos trabajos hacen referencia a su homosexualidad. Desde el año 1963 Hockney estuvo representado por el influyente tratante de arte John Kasmin. En 1963 Hockney visita New York y establece contacto con Andy Warhol. Más tarde, una visita a California, en donde se establece, inspiró a Hockney a hacer una serie de de pinturas al óleo de piscinas en Los Angeles. Estos trabajos están ejecutados con un estilo más realista y usan colores vibrantes. También se destacó en grabados, retratos de amigos, y diseños de escenarios para el Royal Court Theatre, Glyndebourne, La Scala y la Metropolitan Opera en Nueva York.

En 1961 visitó New York por primera vez, estableciendo relación con Andy Warhol. Da clases en el Maidstone College of Art en 1962. En 1963 viaja a Memphis y a Luxor, donde conoce a Fermín Domínguez y a Flavio Briatore. En esta época realiza su primer cuadro sobre duchas (showers). Entre 1963 y 1964 da clases de soldadura en la Universidad de Iowa. En 1964 se traslada a vivir a Los Angeles, donde pinta su primer libro de piscinas (swimmming-pool) y realiza sus primeras Polaroids. En 1967 viaja a Italia y a Francia y en 1968 a Alemania e Irlanda. En 1970 se realiza una retrospectiva de su obra en Londres, que posteriormente se muestra en Hanover y Rotterdam. Entre 1973 y 1975 vivió en París. Una exposición de sus obras se llevó a cabo en esta ciudad en 1974 en el Musée des Atrs Décoratifs. En 1975 diseñó los decorados para la ópera de Igor Stravinsky "The Rake´s Progress". En 1976 regresa a Los Ángeles y trabaja intensamente con fotografías. En 1978 diseña los decorados para la ópera "La flauta mágica" de Mozart, obra representada en el Festival de Glyndebourne, y en 1980 desarrolla un programa para la Metropolitan Opera con obras de Satie, Poulenc, Ravel, y Stravinsky. En 1981 viaja a China, viaje del que escribe un diario (China Diary), publicado posteriormente por la editorial Americana Thames and Hudson. Ha realizado cubiertas para las revista Vogue en 1984 y 1985. En las óperas de San Francisco y Los Ángeles diseña los escenarios de las óperas Die Frau ohne Schatten de Richard Strauss, Turandot de Puccini y Tristán e Isolda de Wagner.

En 2001 publicó un estudio "El Conocimiento Secreto", obra polémica en la que postulaba la teoría de que los pintores clásicos (como Johannes Vermeer) hacían uso de diversos sistemas ópticos (cámara oscura, epidiascopos) a la hora de trasladar al lienzo las imágenes, y que este uso, generalizado en la Pintura desde el año 1430 aproximadamente había sido mantenido más o menos en secreto por parte de los propios pintores y demás personas vinculadas a la labor artística.

GOTTHARD SCHUH

Gotthard Schuh wurde in Berlin als Sohn Schweizer Eltern geboren. 1902 zog die Familie nach Aarau, wo er die Volks- und ab 1914 die Kantonsschule besuchte und zu malen begann. 1916 absolvierte er die Gewerbeschule in Basel. 1917/1918 wurde Schuh als Soldat zum Grenzdienst eingezogen.
Ab 1919 lebte er als Maler in Basel und Genf. Nach einer grossen Italienreise im Jahre 1920 liess er sich als Maler in München nieder. 1926 kehrte er in die Schweiz zurück und wurde Leiter eines Photogeschäfts.
Nach seiner Heirat 1927 zog er nach Zürich, wo er zu fotografieren begann. Von 1928–1931 folgten verschiedene Ausstellungen als Maler und der Beitritt zur Basler Künstlergruppe «Rot-Blau». 1931 wurden die ersten Photos in der Zürcher Illustrierten veröffentlicht. 1932 folgte eine Bilderausstellung in Paris, wo er Picasso, Léger und Braque kennenlernte.
Von 1933–1937 arbeitete Schuh als freischaffender Fotoreporter für die Zürcher Illustrierte, Berliner Illustrirte Zeitung, Paris Match und Life. Seine Reportagen führten ihn durch ganz Europa und 1938/1939 nach Indonesien. Von 1941–1960 war er Bildredaktor bei der Neuen Zürcher Zeitung. 1951 gründete er zusammen mit Werner Bischof, Walter Läubli, Paul Senn und Jakob Tuggener das Kollegium Schweizerischer Photographen.
Nach 1960 wandte er sich wieder der Malerei zu. Gotthard Schuh verstarb 1969 in Küsnacht am Zürichsee.

SOCRATES

Sócrates Brasileiro Sampaio de Souza Vieira de Oliveira, MD (19 February 1954 – 4 December 2011) was a Brazilian footballer. He was also a qualified doctor, and was the elder brother of Raí, who was a member of Brazil's World Cup winning squad in 1994.

He played for Botafogo-SP, before joining Corinthians in 1978. He spent six years with the club, scoring 172 goals in 297 league games. He then moved to Italy to play for Fiorentina, before retuning to Brazil to end his career with Flamengo and Santos. He is best remembered outside of his homeland for the sixty caps he won playing internationally for Brazil; he captained his country at the 1982 FIFA World Cup, and also appeared at the 1986 World Cup, the 1979 Copa América, and the 1983 Copa América – appearing in the defeat to Uruguay in the 1983 finals. He was named South American Footballer of the Year in 1983, and was named on Pelé's FIFA 100 list in 2004.

Sócrates was a technical playmaker, known for great through passes and his vision on the field, as well as his physical strength. He was also a two-footed player and a prolific goal scorer. His ability to read the game was highly valued, and his signature move was the blind heel pass.^[2] He was considered to be one of the greatest midfielders ever to play the game.^[3] Easily recognizable for his beard and headband, he became the "symbol of cool for a whole generation of football supporters".^[4]