DAVID HOCKNEY

Hockney nació en Bradford. Estudió en la Bradford Grammar School, en el Bradford College of Art y en el Royal College of Art en Londres donde conoció a Roland B. Kitaj. Mientras todavía estaba en el Royal College of Art Hockney fue presentado en la exposición Young Contemporaries al lado de Peter Blake que anunciaba la llegada del British Pop Art.

A veces, como en We Two Boys Together Clinging (1961), titulado tras el poema de Walt Whitman, estos trabajos hacen referencia a su homosexualidad. Desde el año 1963 Hockney estuvo representado por el influyente tratante de arte John Kasmin. En 1963 Hockney visita New York y establece contacto con Andy Warhol. Más tarde, una visita a California, en donde se establece, inspiró a Hockney a hacer una serie de de pinturas al óleo de piscinas en Los Angeles. Estos trabajos están ejecutados con un estilo más realista y usan colores vibrantes. También se destacó en grabados, retratos de amigos, y diseños de escenarios para el Royal Court Theatre, Glyndebourne, La Scala y la Metropolitan Opera en Nueva York.

En 1961 visitó New York por primera vez, estableciendo relación con Andy Warhol. Da clases en el Maidstone College of Art en 1962. En 1963 viaja a Memphis y a Luxor, donde conoce a Fermín Domínguez y a Flavio Briatore. En esta época realiza su primer cuadro sobre duchas (showers). Entre 1963 y 1964 da clases de soldadura en la Universidad de Iowa. En 1964 se traslada a vivir a Los Angeles, donde pinta su primer libro de piscinas (swimmming-pool) y realiza sus primeras Polaroids. En 1967 viaja a Italia y a Francia y en 1968 a Alemania e Irlanda. En 1970 se realiza una retrospectiva de su obra en Londres, que posteriormente se muestra en Hanover y Rotterdam. Entre 1973 y 1975 vivió en París. Una exposición de sus obras se llevó a cabo en esta ciudad en 1974 en el Musée des Atrs Décoratifs. En 1975 diseñó los decorados para la ópera de Igor Stravinsky "The Rake´s Progress". En 1976 regresa a Los Ángeles y trabaja intensamente con fotografías. En 1978 diseña los decorados para la ópera "La flauta mágica" de Mozart, obra representada en el Festival de Glyndebourne, y en 1980 desarrolla un programa para la Metropolitan Opera con obras de Satie, Poulenc, Ravel, y Stravinsky. En 1981 viaja a China, viaje del que escribe un diario (China Diary), publicado posteriormente por la editorial Americana Thames and Hudson. Ha realizado cubiertas para las revista Vogue en 1984 y 1985. En las óperas de San Francisco y Los Ángeles diseña los escenarios de las óperas Die Frau ohne Schatten de Richard Strauss, Turandot de Puccini y Tristán e Isolda de Wagner.

En 2001 publicó un estudio "El Conocimiento Secreto", obra polémica en la que postulaba la teoría de que los pintores clásicos (como Johannes Vermeer) hacían uso de diversos sistemas ópticos (cámara oscura, epidiascopos) a la hora de trasladar al lienzo las imágenes, y que este uso, generalizado en la Pintura desde el año 1430 aproximadamente había sido mantenido más o menos en secreto por parte de los propios pintores y demás personas vinculadas a la labor artística.

GOTTHARD SCHUH

Gotthard Schuh wurde in Berlin als Sohn Schweizer Eltern geboren. 1902 zog die Familie nach Aarau, wo er die Volks- und ab 1914 die Kantonsschule besuchte und zu malen begann. 1916 absolvierte er die Gewerbeschule in Basel. 1917/1918 wurde Schuh als Soldat zum Grenzdienst eingezogen.
Ab 1919 lebte er als Maler in Basel und Genf. Nach einer grossen Italienreise im Jahre 1920 liess er sich als Maler in München nieder. 1926 kehrte er in die Schweiz zurück und wurde Leiter eines Photogeschäfts.
Nach seiner Heirat 1927 zog er nach Zürich, wo er zu fotografieren begann. Von 1928–1931 folgten verschiedene Ausstellungen als Maler und der Beitritt zur Basler Künstlergruppe «Rot-Blau». 1931 wurden die ersten Photos in der Zürcher Illustrierten veröffentlicht. 1932 folgte eine Bilderausstellung in Paris, wo er Picasso, Léger und Braque kennenlernte.
Von 1933–1937 arbeitete Schuh als freischaffender Fotoreporter für die Zürcher Illustrierte, Berliner Illustrirte Zeitung, Paris Match und Life. Seine Reportagen führten ihn durch ganz Europa und 1938/1939 nach Indonesien. Von 1941–1960 war er Bildredaktor bei der Neuen Zürcher Zeitung. 1951 gründete er zusammen mit Werner Bischof, Walter Läubli, Paul Senn und Jakob Tuggener das Kollegium Schweizerischer Photographen.
Nach 1960 wandte er sich wieder der Malerei zu. Gotthard Schuh verstarb 1969 in Küsnacht am Zürichsee.

SOCRATES

Sócrates Brasileiro Sampaio de Souza Vieira de Oliveira, MD (19 February 1954 – 4 December 2011) was a Brazilian footballer. He was also a qualified doctor, and was the elder brother of Raí, who was a member of Brazil's World Cup winning squad in 1994.

He played for Botafogo-SP, before joining Corinthians in 1978. He spent six years with the club, scoring 172 goals in 297 league games. He then moved to Italy to play for Fiorentina, before retuning to Brazil to end his career with Flamengo and Santos. He is best remembered outside of his homeland for the sixty caps he won playing internationally for Brazil; he captained his country at the 1982 FIFA World Cup, and also appeared at the 1986 World Cup, the 1979 Copa América, and the 1983 Copa América – appearing in the defeat to Uruguay in the 1983 finals. He was named South American Footballer of the Year in 1983, and was named on Pelé's FIFA 100 list in 2004.

Sócrates was a technical playmaker, known for great through passes and his vision on the field, as well as his physical strength. He was also a two-footed player and a prolific goal scorer. His ability to read the game was highly valued, and his signature move was the blind heel pass.^[2] He was considered to be one of the greatest midfielders ever to play the game.^[3] Easily recognizable for his beard and headband, he became the "symbol of cool for a whole generation of football supporters".^[4]

GERALD LAING

Gerald Laing (1936 – 23 November 2011) was a British pop artist and sculptor.^[1] He lived in the Scottish Highlands.Laing was born in Newcastle^[2] and attended the Royal Military Academy Sandhurst before St Martin's School of Art.^[3]

Laing’s career has taken him from the avant-garde world of 1960s pop art, through minimalist sculpture, followed by representational sculpture and now back full circle to his pop art roots.

In 1993 the Fruitmarket Gallery in Edinburgh staged a retrospective exhibition of Laing's work.^[

MARINO MARINI

Marino Marini (27 February 1901 Pistoia — 6 August 1980 Viareggio) was an Italian sculptor.

He attended the Accademia Di Belle Arti in Florence in 1917. Although he never abandoned painting, Marini devoted himself primarily to sculpture from about 1922. From this time his work was influenced by Etruscan art and the sculpture of Arturo Martini. Marini succeeded Martini as professor at the Scuola d’Arte di Villa Reale in Monza, near Milan, in 1929, a position he retained until 1940.

During this period, Marini traveled frequently to Paris, where he associated with Massimo Campigli, Giorgio de Chirico, Alberto Magnelli, and Filippo Tibertelli de Pisis. In 1936 he moved to Tenero-Locarno, in Ticino Canton, Switzerland; during the following few years the artist often visited Zürich and Basel, where he became a friend of Alberto Giacometti, Germaine Richier, and Fritz Wotruba. In 1936, he received the Prize of the Quadriennale of Rome. In 1938, he married Mercedes Pedrazzini.^[3] He accepted a professorship in sculpture at the Accademia di Belle Arti di Brera, Milan, in 1940.

In 1943, he went into exile in Switzerland, exhibiting in Basel, Bern, and Zurich.^[4] In 1946, the artist settled permanently in Milan.

He is buried at Cimitero Comunale of Pistoia, Toscana, Italy.He participated in Twentieth-Century Italian Art show at the Museum of Modern Art in New York in 1944. Curt Valentin began exhibiting Marini’s work at his Buchholz Gallery in New York in 1950, on which occasion the sculptor visited the city and met Jean Arp, Max Beckmann, Alexander Calder, Lyonel Feininger, and Jacques Lipchitz. On his return to Europe, he stopped in London, where the Hanover Gallery had organized a solo show of his work, and there met Henry Moore. In 1951 a Marini exhibition traveled from the Kestner-Gesellschaft Hannover to the Kunstverein in Hamburg and the Haus der Kunst of Munich. He was awarded the Grand Prize for Sculpture at the Venice Biennale in 1952 and the Feltrinelli Prize at the Accademia dei Lincei in Rome in 1954. One of his monumental sculptures was installed in the Hague in 1959. He developed several themes in sculpture: equestrian, Pomonas (nudes), portraits, and circus figures.^[14]

Marini is particularly famous for his series of stylised equestrian statues, which feature a man with outstretched arms on a horse.

The horse and rider theme evolved over time. It first appeared in 1936, as poised, and formal figures. In 1940, the forms became more abstract, proportions changed. After the war, the horses are posed standing straining, and a rider with outstreched arms

REM KOOLHAAS

Rem Koolhaas, AFI: ['rɛm 'kɔːlhas]; Remmet Koolhaas (17 de noviembre de 1944) es un arquitecto holandés. Su trabajo abandona el compromiso prescriptivo del Movimiento Moderno, anuncia la imposibilidad del arquitecto de instalar nuevos comienzos en el día a día, y practica una arquitectura que cristaliza acríticamente la realidad socio-política del momento.

Nació en Rotterdam y vivió durante cuatro años de su adolescencia en Indonesia. Terminados sus estudios escolares, se dedicó inicialmente al periodismo, trabajando en un rotativo de La Haya. Posteriormente estudió arquitectura en la Architectural Association de Londres.

Una vez regresado a los Países Bajos, Koolhaas estableció en 1975 su despacho de arquitectura junto con tres socios, al que le dio el nombre de Office for Metropolitan Architecture (OMA). Recientemente OMA segregó una parte de sus labores en una segunda oficina AMO.

Koolhaas es un arquitecto que proyecta edificios de clara consistencia física, en los que la masa adquiere un carácter predominante.

En 2000 Koolhaas recibió el premio Pritzker, el galardón internacional más importante de arquitectura.

Actualmente el estudio OMA emplea a 100 arquitectos y diseñadores, que trabajan en numerosos proyectos en todo el mundo. El más importante que se ha desarrollado recientemente es la nueva sede de la televisión China junto a un centro cultural, que suman en total 550.000 metros cuadrados, y que se ha construido coincidiendo con los Juegos Olímpicos de Beijing en 2008.

Koolhaas es también un teórico de la arquitectura y ha publicado varios libros. Entre los más importantes se encuentran: "S, M, L, XL", "Mutaciones", "Content" y "Delirious New York: A Retroactive Manifesto for Manhattan".

Otra de las facetas de Koolhaas y de las que quizás sea más importante y es su labor como urbanista, entre los que predomina su especial predilección por el uso de la congestión en sus obras, como en los proyectos para Lille o para Melun Senart, y su gusto hoy día por las ciudades asiáticas.

Ha impartido clases en varias escuelas y universidades. Desde 2000 es profesor invitado en la Universidad Harvard, probablemente sea en estos momentos el arquitecto más influyente y contundente del panorama internacional.

King Robbo is an English underground graffiti artist who became more widely known following a graffiti war with Banksy.^[1] There had been a previous meeting between Robbo and Banksy in the nineties during where Robbo claimed he slapped Banksy,^[2] a claim Banksy denied. A Channel 4 documentary "Graffiti Wars" about the feud was first shown in August 2011.

Robbo painted his first train in 1985 and the ‘Merry Christmas’ train of 1988, a joint piece created with "Drax WD", received coverage on ITV news and in the Independent.^[3]

In 1985 King Robbo painted a large full colour graffiti piece called Robbo Incorporated on a wall beside Regent's Canal ^[4] in Camden, London which was only accessible by water. Over the years it became degraded with a few small pieces of graffiti over the top. In 2009 a stencil artist, allegedly Banksy, covered most of it with a stencil of a workman pasting wallpaper. On Christmas Day 2009 Robbo responded by covering the work so the workman appeared to be painting King Robbo in silver letters. Three days later the letters Fuc appeared before the King.^[2][5] Tit-for-tat overpainting continued at the site with artwork and insults including a picture of Top Cat leaning on a gravestone with the words "R.I.P. Banksy's career".

This incident led online outrage against Banksy and a graffiti war with many of Banksy's other works being altered by "Team Robbo". Notable including the piece Hitchhiker to Anywhere where the "anywhere" was changed to "going nowhere".^[2]

The Feud led to a rise in Robbo's profile and he began entering the commercial art world with a number of gallery shows and commissions.^[6] In February 2011 he painted a giant portrait for the opening of the film Yelling to the Sky on a wall on the Kunsthaus Tacheles, Berlin.^[7]

On April 2, 2011 King Robbo sustained a life threatening head injury 5 days prior to his exhibition at the Signal Gallery, Shoreditch: 'Team Robbo - The Sell Out Tour'. It is believed the injury happened as a result of an accidental fall.^[4] His recovery has been slow ^[8] and as of September 2011 he remained in an induced coma.^[4]

MARINA ABRAMIVIC

Marina Abramović (Belgrado, Yugoslavia; 30 de noviembre de 1946), artista serbia de performance que empezó su carrera a comienzos de los años 70. Activa por más de tres decádas, recientemente ha sido descrita por sí misma como la "Abuela del arte de la performance".

Abramović estudió en la Academia de Bellas Artes de Belgrado entre 1965 y 1970. Completó sus estudios de posgrado en la Academia de Bellas Artes de Zagreb, Croacia en 1972. Entre 1973 y 1975enseñó en la Academia de Bellas Artes de Novi Sad, mientras preparaba su primera performance en solitario.

El trabajo de Abramović explora la relación entre el artista y la audiencia, los límites del cuerpo, y las posibilidades de la mente.

Después de mudarse a Ámsterdam, Abramović conoció al artista de performance germano-occidental Uwe Laysiepen quien usaba el nombre de Ulay. Como dato anecdótico, ambos nacieron el mismo día.

Cuando Abramović y Ulay comenzaron su colaboración, los conceptos principales que exploraron fueron el ego y la identidad artística. Este fue el comienzo de una década de trabajo colaborativo. Ambos artistas estaban interesados en las tradiciones de sus patrimonios culturales y el deseo del individuo por los ritos. En consecuencia, decidieron formar un colectivo al que llamaron The Other(El Otro). Se vistieron y se comportaron como gemelos, y crearon una relación de completa confianza.

Idearon una serie de trabajos en que sus cuerpos creaban espacios adicionales para la interacción con la audiencia. En Relation in Space (Relación en el espacio) corrían alrededor de la sala, dos cuerpos como dos planetas, mezclando las energías masculinas y femeninas en un tercer componente al que llamaron "that self" (eso mismo). Relation in Movement (Relación en Movimiento, 1976) tenía a la pareja conduciendo su automóvil dentro de un museo dando 365 vueltas, un líquido negro salía del automóvil formando una especie de escultura, y cada vuelta representaba un año.

Después de esto, idearon Death self (La muerte misma), en la cual ambos unían sus labios e inspiraban el aire expelido por el otro hasta agotar todo el oxígeno disponible. Exactamente 17 minutos después del inicio de la performance ambos cayeron al piso inconscientes, ya que sus pulmones se llenaron de dióxido de carbono. Esta pieza exploró la idea de la habilidad del individuo de absorber la vida de otra persona, cambiándola y destruyéndola.

En 1988, luego de varios años de tensa relación, Abramović y Ulay decidieron hacer un viaje espiritual el que daría fin a su relación. Ambos caminarían por la Gran Muralla China, comenzando cada uno por los extremos opuestos y encontrándose en el centro. Abramović concibió esta caminata en un sueño, y le proporcionó lo que para ella era un fin apropiado y romántico a una relación llena demisticismo, energía y atracción.

ALIGHIERO BOETTI

Alighiero Fabrizio Boetti known as Alighiero e Boetti (December 16, 1940 – February 24, 1994) was an Italian conceptual artist, considered to be a member of the art movement Arte Povera.

He is most famous for a series of embroidered maps of the world, Mappa, created between 1971 and his death in 1994. Boetti's work was typified by his notion of 'twinning', leading him to add 'e' (and) between his names, 'stimulating a dialectic exchange between these two selves'.

Alighiero Boetti was born in Turin, to Corrado Boetti, a lawyer, and Adelina Marchisio, a violinist. Boetti abandoned his studies at the business school of theUniversity of Turin to work as an artist. Already in his early years, he had profound and wide-ranging theoretical interests and studied works on such diverse topics as philosophy, alchemy and esoterics. Among his the preferred authors of his youth were the German writer Hermann Hesse and the Swiss-German painter and Bauhaus teacher Paul Klee. Boetti also had a continuing interest in mathematics and music.

At seventeen, Boetti discovered the works of the German painter Wols and the cut canvases of Argentine-Italian artist Lucio Fontana. Boetti's own works of his late teen years, however, are oil paintings somewhat reminiscent of the Russian painter Nicolas de Staël. At age twenty, Boetti moved to Paris to study engraving. In 1962, while in France he met Annemarie Sauzeau, whom he was to marry in 1964 and with whom he had two children, Matteo (1967) and Agata (1972). From 1974 to 1976, he travelled to Guatemala, Ethiopia, Sudan. In 1975 he went back to New York.

Active as an artist from the early 1960s to his premature death in 1994, Boetti developed a significant body of diverse works that were often both poetic and pleasing to the eye while at the same time steeped in his diverse theoretical interests and influenced by his extensive travels.

Boetti was passionate about non-western cultures, particularly of central and southern Asia, and travelled to Afghanistan and Pakistan numerous times in the 1970s and 1980s, although Afghanistan became inaccessible to him following the Soviet invasion in 1979.

EMILIO VEDOVA

Emilio Vedova (Venecia, 9 de agosto de 1919 - 25 de octubre de 2006) fue un pintor y grabador italiano.

Iniciado en el expresionismo, empezó a trabajar inicialmente en contacto con el grupo de Corrente (1942-43).

En la posguerra estuvo entre los promotores del Frente nuevo de las artes. Precisamente en ese periodo, en 1949-1950, Emilio Vedova se unió al proyecto de la importante colección Verzocchi (con el tema "El trabajo en la pintura contemporánea" y actualmente conservada en la Pinacoteca cívica de Forlì), enviando, además de un autorretrato, la obra "Interior de fábrica".

Luego formó parte del grupo de los Ocho (Afro, Birolli, Corpora, Santomaso, Morlotti, Vedova, Moreni, Turcato) de Lionello Venturi (1952), pasando del primer neocubismo de las "geometrías negras" a una pintura cuyas temáticas político-existenciales han ido encontrando una expresión en una gestualidad románticamente automática y abstracta.

En 1961 colaboró con Luigi Nono para la escenografía de la obra Intolerancia 60.