lunes, 31 de mayo de 2010

Vittorio Storaro (Roma, 24 de junio de 1940). Hijo de un proyeccionista de cine, Storaro empezó estudiando fotografía a los 11 años, y comenzó los estudios formales de cinematografía en la italiana Escuela Nacional de Cine, Centro Sperimentale di Cinematografia, a los 18. Trabajo como operador de cámara durante muchos años, su primer film como director de fotografía. fue Giovinezza, Giovinezza (Youthful, Youthful) en 1968.

Ha trabajado con muchos directores de cine destacados, en concreto con Bernardo Bertolucci, con el que ha tenido una larga colaboración, así como Francis Ford Coppola y Warren Beatty.

Algunos de sus trabajos más destacados son: Novecento, El Conformista, El último tango en París, El Último Emperador, Apocalypse Now, One From the Heart, Rojos, Bulworth, El cielo protector, Tucker: The Man and His Dream.

El primer éxito norteamericano de Storaro fue Apocalypse Now, dirigida por Francis Ford Coppola en 1979, por la que ganó su primer Oscar. Coppola dio a Storaro total libertad para recrear la atmósfera visual del film, lo que, según muchos críticos, la ha convertido en una de las películas visualmente más espectaculares de todos los tiempos. Ha recibido el Oscar también por Rojos (1981) y El Último Emperador (1987). Recibió su cuarta, y hasta el momento última, nominación al Oscar por su trabajo en la película Dick Tracy (1990) de Warren Beatty.

Storaro es considerado como un maestro de la dirección de fotografía en el cine, su trabajo se inspira en la teoría de los colores de Johann Wolfgang von Goethe, centrada en el efecto psicológico que tienen los diferentes colores y la manera en que dichos colores influyen en la percepción de las diferentes emociones. Junto con su hijo, Fabrizio Storaro, ha creado Univisium, formato que pretende unificar todas las futuras producciones televisivas y cinematográficas en una sola relación de aspecto: 2.00:1. En 2002, Storaro terminó el primero de una serie de libros acerca de su filosofía sobre la cinematografía.

miércoles, 26 de mayo de 2010

Alberto Giacometti (Borgonovo, Suiza, 10 de octubre de 1901 - Coira, Suiza, 11 de enero de 1966) fue un escultor y pintor suizo.

Tras terminar la enseñanza secundaria, se trasladó a Ginebra para cursar estudios de pintura, dibujo y escultura en la Escuela de Bellas Artes y a París, en 1922, para estudiar en la Académie de la Grande Chaumière en Montparnasse bajo la tutela de un asociado de Rodin, el escultor Antoine Bourdelle. Fue allí donde Giacometti experimentó con el cubismo. Sin embargo, le atrajo más el movimiento surrealista y hacia 1927, después de que su hermano Diego se convirtiera en su ayudante, Alberto había empezado a mostrar sus primeras esculturas surrealistas en el Salón de las Tullerías. Poco tiempo después, ya era considerado uno de los escultores surrealistas más importantes de la época.

Viviendo en una zona tan creativa como Montparnasse, empezó a asociarse con artistas como Joan Miró, Max Ernst y Pablo Picasso, además de escritores como Samuel Beckett, Jean-Paul Sartre, Paul Éluard y André Breton, para el que escribió y dibujó en su publicación Le surréalisme au Service de la Révolution. Entre 1935 y 1940, Giacometti concentró su escultura en la cabeza humana, centrándose principalmente en la mirada. Esto fue seguido por una nueva y exclusiva fase artística en la que sus estatuas comenzaron a estirarse, alargando sus extremidades. En esta época realizó una visita a España, a pesar de encontrarse en plena Guerra Civil.

Durante la Segunda Guerra Mundial vivió en Ginebra, donde conoció a Annette Arm. En 1946 ambos regresaron a París, donde contrajeron matrimonio en 1949. El matrimonio pareció tener un buen efecto en él ya que le siguió el periodo probablemente más productivo de su carrera. Fue su mujer la que le brindó la oportunidad de estar constantemente en contacto con otro cuerpo humano. Otros modelos habían encontrado que el posar para él no era un trabajo fácil, pero Annette le ayudó enormemente, soportando pacientemente sesiones que durarían horas hasta que Giacometti lograse lo que buscaba.

Poco más tarde se organizó una exposición de su trabajo en la galería Maeght de París y en la galería Pierre Matisse de Nueva York, para cuyo catálogo su amigo Jean-Paul Sartre escribió la introducción. A principios de los años 50, el uso del bronce se había hecho económicamente accesible y Giacometti empezó a realizar sus trabajos en bronce. Perfeccionista, Giacometti estaba obsesionado con crear sus esculturas exactamente como las veía a través de su exclusivo punto de vista de la realidad.

En 1954 recibió el encargo de diseñar un medallón con la imagen de Henri Matisse, por lo que creó numerosos dibujos durante los últimos meses de vida del pintor. En 1962 recibió el gran premio de escultura en la Bienal de Venecia, lo que le llevó a convertirse en una celebridad internacional.

El 3 de febrero del año 2010, su escultura El hombre que camina ('L'Homme qui marche') fue subastada en Londres por 65 millones de libras (74,2 millones de euros, 104,3 millones de dólares), superando así el récord mundial de una obra de arte vendida en una subasta ese momento, según la casa que se ocupó de la puja: Sotheby's.[1

martes, 25 de mayo de 2010

El neorrealismo italiano fue un movimiento cinematográfico surgido en Italia durante la posguerra de la Segunda Guerra Mundial, cuyos principales representantes fueron Roberto Rossellini, Luchino Visconti y Vittorio de Sica.

El movimiento se desarrolló alrededor de un círculo de críticos cinematográficos que se agrupaban en torno a la revista Cinema, entre los que se encontraban Michelangelo Antonioni, Luchino Visconti, Gianni Puccini, Giuseppe de Santis y Pietro Ingrao. Lejos de abordar temas políticos (el director de la revista era Vittorio Mussolini, hijo de Benito Mussolini), los críticos atacaban las películas que dominaban la industria de los tiempos. Por oposición a la escasa calidad de las películas de la época, algunos críticos consideraban que el cine debía mirar hacia los escritores realistas de principios del siglo.

Los neorrealistas fueron fuertemente influenciados por el realismo poético francés. De hecho, tanto Antonioni como Visconti trabajaron en estrecha colaboración con Jean Renoir. Por otro lado, muchos directores neorrealistas habían madurado trabajando en películas caligrafistas, si bien dicho movimiento era notablemente distinto al neorrealismo. Se pueden encontrar elementos emparentados con el neorrealismo, igualmente, en las obras de Alessandro Blasetti y en los documentales de Francesco de Robertis. Los precursores más significativos del neorrealismo fueron Toni, de Renoir, de 1935 y la película 1860, de Blasetti, realizada en 1934.

El neorrealismo adquirió resonancia mundial por primera vez con Roma, città aperta, primera película importante realizada en Italia tras el fin de la guerra. A pesar de la presencia de muchas características ajenas al neorrealismo, reflejaba claramente la lucha por la existencia que los italianos libraban día a día bajo la ocupación alemana de Roma, haciendo lo posible por resistir a la ocupación. Los niños juegan en la película un papel clave, y su presencia al final del film es indicativa de su papel general en el neorrealismo: como observadores de la dificultad del mundo de hoy que tienen la llave del futuro.

lunes, 24 de mayo de 2010


Adoniran Barbosa (6 de agosto de 1910 - 23 de noviembre de 1982), nombre artístico de Joao Rubinato, fue un cantante, compositor, actor y humorista nacido en Valinhos, en el estado de São Paulo, Brasil.

Hijo de inmigrantes italianos. Abandona la escuela, porque no gusta del estudio y necesita trabajar para ayudar a su numerosa familia (compuesta por siete hermanos). A los 14 años consigue su primer trabajo como repartidor de ollas en la ciudad de Jundiaí, a la cual su familia se había mudado, buscando resolver sus problemas financieros. Luego de eso se mudan a Santo André y finalmente a São Paulo. Después fue también albañil, encargado de estacionamiento, mozo y obrero metalúrgico entre otros trabajos.

El Grupo "Demônios da Garoa" fue el gran intérprete de sus composiciones, principalmente las sambas que citaban varios lugares de la ciudad de São Paulo como ser los barrios de Jaçanã ("Trem das Onze"), Brás ("Samba do Arnesto"), y Avenida São João ("Iracema"). Elis Regina grabó "Iracema" y "Tiro ao Álvaro", poco antes de la muerte de ambos que fallecen casi en la misma época. Considerado el más importante nombre de la samba paulistana, Adoniran retrató la capital y su idiosincrasia.

En la radio fue famoso su personaje Charutinho. Además de las películas de los años 50 y años 60, tales como Candinho, el largometraje de 1953 de Mazzaropi, participó como actor en los años 70 de telenovelas de la TV: "Tupi" y "Mulheres de Areia", en la cual hacia un personaje que se decía autor de las sambas de Adoniran.

jueves, 20 de mayo de 2010


Joan Miró i Ferrà (* Barcelona, 20 de abril de 1893Palma de Mallorca, 25 de diciembre de 1983) pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. En su obra reflejó su interés en el subconsciente, en lo "infantil" y en su país. En un principio mostró fuertes influencias fauves, cubistas y expresionistas, pasando a una pintura plana con cierto aire naïf, como lo es su conocido cuadro La Masía del año 1920. A partir de su estancia en París, su obra se vuelve más onírica, coincidiendo con los puntos del surrealismo e incorporándose a este movimiento.[1] En numerosas entrevistas y escritos que datan de la década de 1930, Miró manifestó su deseo de abandonar los métodos convencionales de pintura, en sus propias palabras de "matarlos, asesinarlos o violarlos", para poder favorecer una forma de expresión que fuese contemporánea, y no querer doblegarse a sus exigencias y a su estética ni siquiera con sus compromisos hacia los surrealistas.[2]

Entre los años 1928 y 1930, las diferencias dentro del grupo de los surrealistas cada vez se hacen más evidentes, no sólo en la plástica, también ocurría en la parte política. Miró cada vez más individualista se fue distanciando más, a pesar de aceptar los principios de la estética surrealista, tampoco no se sintió obligado a ir frecuentemente a participar en todas las manifestaciones. El 11 de marzo de 1929, en una reunión al Bar du Château, Breton ya adherido al partido comunista , el tema de discusión fue el destino de Lev Trotsky; este tema quedó al margen y las discusiones llegaron a clarificar las posiciones. Entre los que se manifestaron en contra de una acción completamente común basado en un programa de Breton, se encontraban Miró, Michel Leiris, Georges Bataille y André Masson entre otros. Miró solo quería defenderse y luchar con la pintura. Entre Marx que abogaba por «transformar el mundo» por medio de la política o el «cambiar la vida» de Rimbaud por medio de la poesía, Miró escogió lo segundo.[20] Fue entonces cuando Georges Hugnet explicó que Miró solo puede defenderse con las armas propias de él, la pintura:

Uno de sus grandes proyectos fue la creación en 1975, de la Fundación Joan Miró, ubicada en Barcelona, centro cultural y artístico para difundir las nuevas tendencia del arte contemporáneo, constituyéndose con un gran fondo de obras donadas por el autor; otros lugares con importantes fondos de sus obras son la Fundación Pilar i Joan Miró de Palma de Mallorca, el MNAM de París y el MOMA de Nueva York.

martes, 18 de mayo de 2010

La Bienal de São Paulo es una exposición internacional de arte moderno creada en 1951 y celebrada cada dos años en el Pabellón Ciccillo Matarazzo ubicado en el Parque do Ibirapuera de la ciudad de São Paulo, Brasil. Iniciativa del Director del Museo de Arte Moderno de São Paulo, Cecilio Matarazzo inspirado en la muestra de la Bienal de Venecia con el objetivo inicial de difundir el arte moderno brasileño.

Es la segunda Bienal de artes en importancia después de la de Venecia. Es la fecha una de las principales exhibiciones del arte moderno latinoamericano. En su versión de 2002 (25ª) tuvo 670 mil visitantes. Su entrada es gratuita desde 2004 (26ª).

Fue patrocinada y organiza en sus inicios por el Museo de Arte Moderno de Sao Paulo, hasta 1962 cuando se crea y encarga de ello la Fundación Bienal de São Paulo. Su financiamiento proviene de subvenciones del municipio, el gobierno local y estatal y del sector privado.

Su primer local de exhibición fue el propio Museo. Para ello se construyó un polígono de madera de un área de 1500 m² a las afueras del recinto. El 20 de octubre de 1951 se inauguró exhibiendo unas 1854 obras de 730 artistas provenientes de 23 países. En su 2ª y 3ª versiones (1953 y 1955), ocupa el Pabellón de las Naciones y el Pabellón de los Estados teniendo en conjunto una área de 24.000 m². Su local definitiva, el Pabellón Cecilio Catarazo, se inaugura para la cuarta edición (1957). El Pabellón fue diseñado por el equipo de arquitectos liderados por Oscar Niemeyer y Hélio Uchôa. Tiene una superficie de aprox. 30.000 m².

La exposición se organiza inicialmente de acuerdo a los países participantes. Las versiones entre 1981 (16ª) y 1987 (19ta) se organizaron por analogías temáticas propuestas por Walter Zanini y Sheila Leirner. Desde su versión de 1989 vuelve a organizarse en secciones nacionales.

Desde 1973 se realiza también la Bienal Internacional de Arquitectura y Diseño de Sao Paulo.

En los últimos años a raíz de estas exposiciones han surgido otras bienales de arte en muchas otras ciudades de todo el mundo, como la Bienal de Sevilla, la Bienal de Praga, la Bienal de Estambul, etc.

jueves, 6 de mayo de 2010

La dama de Shalott o La señora de Shalott (The Lady of Shalott en el original) es una de las obras más conocidas de John William Waterhouse. Fue pintada en 1888, exhibiéndose en 1894. Actualmente se halla en la Tate Britain de Londres.

Como pintor prerrafaelita, romántico y neoclásico, a Waterhouse le gustaba la temática de corte medievalista fantástico. El pintor realizó tres obras sobre el mismo tema, inspiradas en un poema de Tennyson, que forma parte de la antología clásica victoriana: "The Lady of Shalott" (1888), "Lady of Shalott. Looking for Lancelot" (1894), y "I am half sick of shadows, said the Lady of Shalott" (1915).

Esta trilogía tiene relación con el tema artúrico. Concretamente, cuenta la historia de Elena, la dama de Shalott, que fue encerrada en una torre donde tejía noche y día. Un susurro le anunció que le aguardaba una horrible maldición si miraba en dirección a Camelot: aunque desconocía en qué consistía la maldición, seguía tejiendo sin parar. Nadie la conocía, ya que vivía encerrada; algunos campesinos creían oírla cantar por las mañanas, al amanecer, y se referían a ella como a un hada. Su contacto con el mundo era a través de un espejo, que reflejaba la ventana, que le mostraba Camelot. En las telas que tejía se reflejaba lo que ella veía a través de ese espejo, como las aventuras de los Caballeros de la Mesa Redonda. Un día, a través del espejo, Elena vio a Lancelot y se enamoró de él. Dejó de coser y, sin poder evitarlo, miró hacia Camelot. En ese momento, el espejo se quebró, las telas salieron volando por la ventana y la maldición cayó sobre ella: bajó de la torre y cogió una barca...........


miércoles, 5 de mayo de 2010


Pier Paolo Pasolini (Bolonia, 5 de marzo de 1922Ostia, 2 de noviembre de 1975) fue un escritor, poeta y director de cine italiano.

Pasolini nació en Bolonia, ciudad de tradición política izquierdista. Era hijo de un soldado que se hizo famoso por salvar la vida de Benito Mussolini, cuando el joven Anteo Zamboni atentó contra su vida. Empezó a escribir poemas a los siete años de edad y publicó por primera vez a los 19 mientras se encontraba estudiando en la Universidad de Bolonia.

Fue reclutado durante la Segunda Guerra Mundial; capturado por los alemanes, logró escapar. Luego de la guerra, se unió al Partido Comunista Italiano en Ferrara, pero se fue dos años después.

En 1957 publica los poemas de Le ceneri di Gramsci (Las cenizas de Gramsci, Premio Viareggio de 1957) y al año siguiente L'usignolo della Chiesa cattolica (El ruiseñor de la Iglesia católica). En 1960 publica los ensayos Passione e ideología, y en 1961 otro libro de versos, La religione del mio tempo.

Se destacan los ensayos Sobre la poesía dialectal (1947) y La poesía popular italiana (1960); las antologías Poesía dialectal del siglo XX (1955) y Antología de la poesía popular (1955); sus obras poéticas La mejor juventud (1954), Las cenizas de Gramsci (1957), La religión de mi tiempo (1961) y Poesía en forma de rosa (1961–1964); sus novelas Muchachos de la calle (1955), Una vida violenta (1959) y Mujeres de Roma (1960), y los dramas Orgía (1969) y Calderón (1973).

Su obra poética, igual que su obra ensayística y periodística, polemiza con el marxismo oficial y el catolicismo, a los que llamaba «las dos iglesias» y les reprochaba no entender la cultura de sus propias bases proletarias y campesinas. Juzgaba asimismo que el sistema cultural dominante, sobre todo a través de la televisión, creaba un modelo unificador que destruía las culturas más ingenuas y valiosas de las tradiciones populares.

lunes, 3 de mayo de 2010


Porco Rosso (紅の豚 Kurenai no buta?), es una película anime de 1992, realizada por el Estudio Ghibli.

Romántica historia sobre un piloto de hidroavión italiano, as de la Primera Guerra Mundial, que vive como cazarrecompensas independiente contra otros mercenarios "Piratas del Aire" en el Mar Adriático. Víctima de una maldición indeterminada que ha convertido sus facciones en las de un cerdo. Es un descreído solitario que subsiste al margen de ideologías y de la gente. Un lobo solitario, que mantiene una vieja amiga secretamente enamorada de él, se ve inmerso en un duelo con un piloto estadounidense fanfarrón que despierta parte de su vieja gloria y le hace redescubrir parte de sus sentimientos.

Fue originalmente planeada como una película para mostrar en vuelo para las Japan Airlines, basada en el manga de Miyazaki The Age of the flying Boat (La Era de las Hidrocanoas), pero la producción fue ensombrecida por la guerra en Yugoslavia que acabó dándole a la película un tono más serio.

El nombre del protagonista, Marco Pagot, es un homenaje a los hermanos Pagot, famosos dibujantes italianos que diseñaron a Calimero y colaboraron con Miyazaki en la creación de la serie Sherlock Holmes (anime).