jueves, 30 de diciembre de 2010

ANTONIO SANT'ELIA

Antonio Sant'Elia (Como, 1888 - Monfalcone, 1916) fue un arquitecto y urbanista italiano.

Nació el 30 de abril de 1888 en la ciudad de Como, en la región italiana de Lombardía, hijo de Luigi Sant'Elia y Cristina Panzillo. En 1905 se tituló como capomastro (maestro constructor), en su ciudad natal, y al año siguiente finalizó la "Escuela de Artes de Oficios G. Castellini". Se trasladó a Milán en 1907 donde frecuentó la Academia de Bellas Artes de Brera hasta 1909. En dicho ambiente conoció a los pintores Carlo Carrà y Leonardo Dudreville.

En 1912 aprobó el examen que lo facultó como profesor de Diseño Arquitectónico, lo cual le permitió enseñar en Bolonia. En dicho año, junto a G. Possamai formó el grupo Nuove Tendenze. Desde 1913, comenzó a impartir clases en Bolonia, y junto a un amigo abrió un estudio en Milán.

Se adhirió al futurismo publicando en 1914 el Manifiesto de la arquitectura futurista, en el cual expuso los principios de esta corriente. El futurismo de Sant' Elia se encontraba influenciado por las ciudades industriales estadounidenses y por los arquitectos vieneses Otto Wagner y Joseph Maria Olbrich. Sant'Elia concebía el futurismo como arquitectura en "movimiento", un espacio arquitectónico ligado al tiempo, en un proyecto sistémico de la ciencia tecnológica de las máquinas.

Le case dureranno meno di noi. Ogni generazione dovrà fabbricarsi la sua città. Questo costante rinnovamento dell'ambiente architettonico contribuirà alla vittoria del Futurismo. Las casas durarán menos que nosotros. Cada generación tendrá que fabricarse su propia ciudad. Esta constante renovación del ambiente arquitectónico contribuirá a la victoria del futurismo.

La "Città Nuova" (Ciudad Nueva), de 1913-1914, es el proyecto más importante de este arquitecto. En dicho proyecto se imagina, en una colección de bocetos y proyectos, la Milán del futuro.

Participó voluntariamente en la Primera Guerra Mundial donde murió.

JOE CASSANO


Giovanni Cassano meglio conosciuto con gli pseudonimi di Joe Cassano o Jhonny Jab (Bologna, 25 novembre 1973Bologna, 3 aprile 1999) è stato un rapper italiano.

Italo-americano di origine (il padre è cresciuto a New York, nel quartiere di Flatbush a Brooklyn), Giovanni nasce a Bologna il 25 novembre 1973.

Dopo aver terminato il liceo classico, inizia a studiare psicologia e si dedica allo studio e alla pratica di arti marziali come karate, kickboxing. Amante e protagonista della cultura hip-hop, inizia a muovere i primi passi nel circuito underground italiano: partecipa a jam come Zona Dopa (Pescara) o Mic Check (Bologna). Nel 1997 inizia una collaborazione con Inoki, giovane MC locale, ed inizia a frequentare la PMC (Porzione Massiccia Crew), collettivo hip hop bolognese e i Camelz FCE (Fuckin' Camelz 'n Effect), senza entrare a farne parte. Nello 1998-99 partecipa all'album 50 Mcs e a Demolizione, mixtape della PMC ( Porzione Massiccia Crew ).

Nel 1999, all'interno della compilation "Novecinquanta" del DJ e producer Fritz Da Cat, compare il brano "Giorno e notte", che Joe ha registrato con Inoki. Lo stesso anno rappa in Sindrome di fine millennio, album d'esordio degli Uomini Di Mare (il DJ e producer Lato e il rapper Fabri Fibra).

A 26 anni non ancora compiuti Joe Cassano muore per arresto cardiaco. Il fratello Alberto decide di completare l'album a cui stava lavorando e pubblica Dio Lodato prodotto dalla Portafoglio Lainz , insieme al singolo Dio lodato...per sta chance, reputato uno dei più grandi capolavori underground di sempre .

Dopo la sua morte sono numerosi i casi di tributo nei suoi confronti, soprattutto da parte di writer che riconoscono la sua importanza all'interno della scena hip hop dedicandogli vari pezzi murali.

En la china comunista, durante los años la revolución cultural de los setenta, un muchacho es enviado a un remoto campo de adoctrinamiento del régimen maoista, para ser educado por los campesinos locales en las ideas del régimen. Allí conocerá la literatura prohibida de occidente, la amistad verdadera y el amor de la bella hija mayor del sastre del pueblo.

domingo, 19 de diciembre de 2010

JONATHAN DEMME


Rachel Getting Married is a 2008 drama film directed by Jonathan Demme, and starring Anne Hathaway, Rosemarie DeWitt, Bill Irwin and Debra Winger. The film was released in the U.S. to select theaters on October 3, 2008. The film opened the 65th Venice International Film Festival. The film also opened in Canada's Toronto Film Festival on September 6, 2008. Hathaway was nominated for Academy Award for Best Actress for her role, but lost to Kate Winslet in The Reader.

Kym (Anne Hathaway) is released from rehab for a few days so she can go home to attend the wedding of her sister Rachel (Rosemarie DeWitt). At home, the atmosphere is strained between Kym and her family members as they struggle to reconcile themselves with her past and present. Kym's father shows intense concern for her well-being and whereabouts, which Kym interprets as mistrust. She also resents her sister's choice of her best friend Emma (Anisa George), rather than Kym, to be her maid of honor. Rachel, for her part, resents the attention her sister's addiction is drawing away from her wedding, a resentment that comes to a head at the rehearsal dinner, where Kym, amid toasts from friends and family, takes the microphone to offer an apology for her past actions, as part of her twelve-step program.

Underlying the family's dynamic is a tragedy that occurred many years previously, which Kym retells at a Narcotics Anonymous meeting. As a teenager, Kym was responsible for the death of her young brother Ethan, who was left in her care one day despite her being high at the time. Driving home from a nearby park, Kym had lost control of the car, driving over a bridge and into a lake, where her brother drowned.

The day before the wedding, as Rachel, Kym, and the other bridesmaids are getting their hair done, Kym is approached by a man who she knew in an earlier stint in rehab. He thanks her for the strength she gave him through a story about her childhood sexual abuse at the hands of an uncle and caring for her sister, who was anorexic. Rachel, hearing this, storms out. The story, it turns out, was all a lie — an apparent attempt by Kym to evade responsibility for her addiction. The sisters' fight comes to a head later that night, leading Kym to escape to her mother's house. However, she finds no respite there, as a fight with her mother comes to blows. She runs off again, this time intentionally crashing a car into a giant rock, and spends the night in the car.

The next morning, the day of the wedding, Kym is awoken by police. After passing a sobriety test, she gets a ride home. She makes her way to Rachel's room, as Rachel prepares for the wedding. Seeing Kym's bruised face, the anger of the previous night vanishes, and Rachel tenderly bathes and dresses Kym.

Amid a festive Indian theme, Rachel and her fiancé are wed. Kym is the maid of honor, and is overcome with emotion as the couple exchange their vows. Kym tries to enjoy herself throughout the wedding reception but continues to feel out of place and is nagged by the unresolved dispute with her mother. Ultimately, her mother leaves the party early, despite Rachel's effort to bring the two together, and the gulf between Kym and her mother is left unreconciled....


jueves, 16 de diciembre de 2010

COMUNICACION A LOS SEGUIDORES

HOLA AMIGOS, LAMENTABLEMENTE SE HAN BORRADO LAS IMAGENES DE LOS SEGUIDORES CON CUENTA DE GOOGLE, Y NO SE COMO AREGLARLO. ALGUN CONSEJO?

lunes, 13 de diciembre de 2010

princess hijab


Princess Hijab is an anonymous street artist working primarily in Paris. Its[1] [2]art centres on veiling the main characters on subway advertisements using black paint.
Few facts are known about Princess Hijab except that this person was born in 1988, that much of their known work has appeared in metro stations across Paris.

Princess Hijab is recognized as the founder of “hijabism”, a movement based on the "niqabizing", or “hijabizing” of advertising images. It is widely recognized for its iconic images of veiled girls, boys and courting couples on advertising posters, which reference contemporary culture, celebrity culture and the world of fashion. Its humour attempts to expose contradictions inherent in mainstream culture.

One of its more celebrated works, “Diam’s Ma France à Moi”, is the portrait of the famous French rapper Diam's, covered with a veil using a black marker pen. Notoriously, the hijabised version of the poster appeared in Paris several years before Diams was first spotted wearing the hijab following her conversion to Islam. The original poster is a re-interpretation of a photograph by David LaChapelle

Other famous works by Princess Hijab include the “Lafayette” series, depicting a model promoting the French department store Galeries Lafayette, wearing a blue, white and red striped top and a black mask over her mouth, and the “Dolche” series, a series of Dolce & Gabbana adverts representing male models hijabised by the artist.

Despite the controversy surrounding its work, Princess Hijab insists that it is not involved in any political or religious lobbies and has no links with the advertising industry: “She [Princess Hijab] is the leader of an artistic fight, nothing else”.

viernes, 10 de diciembre de 2010

MAY BE I'M LUTHER BLISSET TO


Luther Blissett es un nombre múltiple, seudónimo colectivo o alias multiusuario utilizado desde los años noventa (1994) por un número indeterminado de artistas, activistas y performers de Europa y Norteamérica. De inspiración múltiple: marxista autónoma y altermundista principalmente, pero también en parte post-situacionista, libertaria o simplemente contestataria. Está relacionado con el sabotaje informativo y con la llamada guerrilla de la comunicación y ha estado asociado también con el análisis crítico de los medios de comunicación masivos.

El nombre, cuyo origen sigue envuelto en cierto misterio, parece corresponderse con un futbolista jamaicano. Al parecer, el Luther Blissett original habría sido un delantero-centro del Milán, cuya falta de ánimo y eficacia en el terreno de juego concitó las iras de la afición, a lo que se sumó su color de piel, lo que le valió recibir todo tipo de insultos por parte de ciertos seguidores xenófobos del equipo.

El momento de mayor actividad de Luther Blissett fue el período 1994-1999, en el contexto del "Luther Blissett Project", cuando la identidad múltiple ya se podía rastrear por toda Europa y Estados Unidos. El "Luther Blissett Project" (LBP) consistía en una red algo más organizada dentro de la comunidad abierta que compartía la identidad Luther Blissett, presentándose como “el único comité central cuyo propósito es perder el control del partido”.[1]

En Usenet, la primera referencia al LBP se produce el 7 de noviembre de 1994, con un falso informe sobre las acciones y usos del nombre múltiple en diversos países; a pesar de su redacción en un inglés algo primario, está firmado por un "Luther Blissett" de la Universidad de Missouri-Columbia.[2]

En Italia, el LBP se convirtió en un fenómeno muy reconocido y difundido, hasta el punto de conseguir forjar una leyenda, la fama de un héroe popular. Allí, esta especie de Robin Hood de la era de la información - además de una crítica radical a los conceptos de derecho de autor y de propiedad intelectual - libró una guerra de guerrillas en la industria cultural, llevó a cabo campañas de solidaridad no ortodoxas en favor de víctimas de la censura y represión, pero principalmente, jugó elaboradas burlas a los medios masivos de comunicación como una forma de arte. En todos los casos, siempre reclamaron la responsabilidad sobre las acciones describiendo los fallos que aprovecharon para realizarlas.

El LBP también estuvo activo en otros países europeos, especialmente España y Alemania. Diciembre de 1999 señaló el fin del Plan Quinquenal: los veteranos se "suicidaron" de manera colectiva y simbólica mediante un ritual japonés llamado Seppuku. Sin embargo, el final del LBP no implicó el final del seudónimo colectivo, que resurge continuamente en el debate cultural y sigue siendo una firma frecuente en el web...

DRE URHAHN Y JEROEN KOOLHAAS


Dre Urhahn y Jeroen Koolhaas (hijo de Rem) son dos artistas de los países bajos que comenzaron a trabajar juntos el año 2005. En el 2006, comenzaron a desarrollar la idea de la creación de intervenciones de arte impulsado por la comunidad en Brasil. Sus esfuerzos dieron como resultado dos murales que fueron pintados en Vila Cruzeiro, Río de Janeiro en colaboración con la juventud local. Después de que ambos murales fueron terminados, comenzaron su tercera fase de su proyecto: “Oh, Morro”. La idea inicial del proyecto Favela Painting fue siempre pintar en el centro de Río de Janeiro, visible para todos los habitantes y los visitantes. En la traducción portuguesa de “la colina”, “o morro” también se utiliza como sinónimo de los barrios pobres o favelas, los artistas optaron por utilizar este nombre para la tercera fase del proyecto Favela Painting. “O Morro” comenzó a principios de 2010 y se terminó recientemente. Puedes encontrar más información sobre los proyectos en su página web oficial y su Página de Facebook.

miércoles, 8 de diciembre de 2010

TROPA DE ELITE 2


El filme Tropa de elite 2, de José Padilla se ha convertido en la obra cinematográfica nacional más vista en la historia del cine brasileño. El récord de los últimos 50 años loteníala películaprotagonizada por Sonia Braga Doña Flor y sus dos maridos, con 10.735.525 espectadores. Lo ha superado Tropa de elite 2, con 10.736.995 y eso en poco más de ocho semanas.
La película, que es la continuación de Tropa de elite, lanzada en 2007 por el mismo director Padilla, esta vez además de la violencia de los narcotraficantes de las favelas de Río de Janeiro ha abordado un tema que quema: el de la nueva violencia protagonizada por las milicias, compuestas por ex policias y ex militares que, nacidas bajo el pretexto de proteger a las comunidades de favelados de la violencia de los traficantes de droga, se han convertido en una violencia mayor si cabe por sus connivencias con el poder político y judicial. Las milicias consiguen hasta modificar sentencias judiciales y elegir diputados en el Congreso Nacional subvencionando sus campañas con el dinero de la violencia y de la droga.

Si se considera que cuando salió la famosa película Doña Flor y sus dos maridos, existían en el país el doble de salas de cine que hoy, los críticos consideran que Tropa de Élte 2 es un fenómeno hasta ahora único en el cine brasileño y que será difícil de superar en mucho tiempo.

Las personas salen del cine mudas, sin conseguir proferir palabras por el fuerte impacto que produce la terrible denuncia presentada en el film. Su director Padilla ha explicado que aunque la realidad de la violencia y de la complicidad política con los traficantes de droga es "superior aún a la que presenta el film", el impacto en el celuloide es muy fuerte porque posee además los ingredientes de la ficción.

Las escenas del enfrentamiento entre las fuerzas especiales del Ejército y la tropa de élite del BOPE (Batallón de Operaciones Especiales) fueron filmadas en la favela de Dona Marta en el centro de Rio, con 60 policías verdaderos, dos helicópteros del Ejército y armas de alta precisión con tal realismo que la gente del lugar creyó que se trataba de una verdadera guerra entre policias y traficantes y salieron corriendo.

NAOMI KLEIN


Naomi Klein (nacida en Montreal, Canadá, el 8 de mayo de 1970) es una periodista e investigadora de gran influencia en el movimiento antiglobalización y el socialismo democrático, nacida en Montreal (Canadá) en 1970. Es economista política, periodista y escritora.

Caracterizada por su trabajo independiente en los medios periodísticos, colaboró como columnista para los periódicos de corte progresista como el The Guardian de Londres y The Globe and Mail de Toronto. Naomi Klein ha participado en charlas en la sociedad Miliband de la London School of Economics y es doctora "honoris causa" en Derecho por la Universidad de King's College, de Nova Scotia. Alcanzó el puesto undécimo, el más alto logrado por una mujer, en el Sondeo Global de Intelectuales, un listado de los intelectuales más relevantes del mundo que confecciona la revista "Prospect" junto a la revista "Foreign Policy".

Su ruptura con la globalización implicó el estudio de las influencias del capitalismo de finales del siglo XX y del sistema de la Tercera Vía, así como en el impulso del sistema de economía neoliberal y sus efectos en la cultura moderna de masas. Fruto de sus investigaciones, ha escrito varios libros como No Logo (2001), Vallas y ventanas (2003), La doctrina del shock (2007), el guión del documental La Toma/The Take (dirigido por Avi Lewis, centrado en la toma de una fábrica recuperada por sus trabajadores bajo control obrero como forma de lucha en contra de la globalización en el marco de la crisis argentina y las movilizaciones ciudadanas entre 2001 y 2002) y un gran número de artículos periodísticos y políticos.

lunes, 29 de noviembre de 2010

MARIO MONICELLI



Mario Monicelli
(Viareggio (Toscana), 16 de mayo de 1915 - Roma, 29 de noviembre de 2010) fue un director de cine y guionista italiano. Es considerado uno de los maestros de la Commedia all'italiana (Comedia a la italiana).

Monicelli nació en Viareggio (Toscana), siendo el hijo menor del periodista mantuano Tomaso Monicelli. Su hermano mayor, Giorgio Monicelli, trabajó como escritor y traductor.

Asistió al liceo local y entró al mundo del cine a través de su amistad con Giacomo Forzano, hijo del dramaturgo Giovacchino Forzano, quien había sido encargado por Mussolini de la fundación de estudios de cine en Tirrenia. Monicelli vivió una juventud liberal y muchas de sus bromas que aparecen en Amici miei fueron producto de sus propias experiencias.

Realizó su primer cortometraje en 1934 junto con su amigo Alberto Mondadori. Este fue seguido por un filme mudo, I ragazzi della via Paal, el cual ganó un premio en el Festival Internacional de Cine de Venecia. Su primer largometraje fue Pioggia d'estate (1937). Durante 1939-1942, Monicelli escribió numerosos guiones (aproximadamente 40) y trabajó como asistente de dirección.

Monicelli hizo su debut oficial como director en 1949, en el filme Totò cerca casa, codirigida por Stefano Vanzina. Desde sus inicios, su estilo de filmación demostró ser particularmente fluido. Vanzina y Monicelli dirigieron exitosamente ocho películas más en cuatro años, entre las que se encuentran Guardie e ladri y Totò a colori. A partir de 1953, Monicelli trabajó solo, sin dejar de escribir guiones.

Varios de los trabajos de Monicelli son considerados obras maestras del cine italiano. Un ejemplo de esto es I soliti ignoti, protagonizada por el comediante Totò, Vittorio Gassman y Marcello Mastroianni, la cual es considerada la primera obra de la Commedia all'italiana. La grande guerra, estrenada en 1959, es considerado como su mejor trabajo y estuvo nominado a un Premio Oscar. El filme ganó el León de Oro y estuvo protagonizado por Gassman y Alberto Sordi. La película fue aclamada por la ausencia de acentos retóricos (la tragedia de la Primera Guerra Mundial todavía estaba presente en la mente de los italianos) y por su sentido tragicómico y cortante de historia. Otras dos películas de Monicelli estuvieron nominadas a los Premios Oscar: I compagni y La ragazza con la pistola.

Otro de sus filmes, L'armata Brancaleone, también es clasificado entre los mejores del cine italiano. La película cuenta la historia de un caballero italiano pobre en la Edad Media desde un punto de vista cómico. Fue reconocida por los diálogos en latín macarrónico de Gassman como el caballero escritos por Age & Scarpelli. El filme tuvo una secuela, Brancaleone alle crociate estrenada en 1970.

En 1975, Monicelli dirigió Amici miei, protagonizado por Ugo Tognazzi y Philippe Noiret. La película fue una de las películas más exitosas en Italia y fue alabada por su mezcla de humor, ironía y sentimiento amargos. En 1978, dirigió Un borghese piccolo piccolo, en la cual predominó el drama. Sin embargo, Monicelli regresó a la comedia con la película de 1981 Il marchese del Grillo. Ambos filmes fueron protagonizados por Alberto Sordi.

Entre los últimos trabajos de Monicelli se encuentran Speriamo che sia femmina (1985), Parenti serpenti y Cari fottutissimi amici.

Monicelli también trabajó para televisión y teatro y, en algunas ocasiones, como actor y dramaturgo.

domingo, 28 de noviembre de 2010

INVADER


Invader (born 1969) is a French street artist who pastes up characters from and inspired by the Space Invaders game, made up of small coloured square tiles that form a mosaic. He does this in cities across the world, then documents this as an "Invasion", with books and maps of where to find each invader.[1]

Don Leicht (born 1946) is an American artist who pioneered the earliest generations of street art. Leicht is probably best-known as the original space invader. His collaborative artwork with John Fekner, Your Space Has Been Invaded. Our Children are Fighting a Terrible War. Whole Families are being led to the Battlescreen was made in 1982 . In the early 1980′s, Leicht was spray painting stenciled space invader characters around New York City and making space invader sculptures. Covered by the New York Times (1982), The Village Voice (1983) and Art in America (1985), Leicht’s vision forecasted the interactive digital world we live in today. This iconic artwork has been exhibited around the world.

Invader started this project in 1998 with the invasion of Paris - the city where he lives and the most invaded city to date - and then spread the invasion to 31 other cities in France (such as Montpellier, Marseille, Avignon, Rennes, Bordeaux, Lille, or Bastia...). London, Cologne, Geneva, Newcastle, Rome , Berlin, Lausanne, Barcelona, Bonn, Ljubljana, Vienna, Amsterdam, Bilbao, Manchester, Darlington are among the 22 other european cities which have been invaded. In the world, Los Angeles, New York City, San Diego, Bangkok, Tokyo, Katmandu, Varanasi, Melbourne, Perth and even Mombasa are now invaded with his colourful characters in mosaic tiles.

The mosaics depict characters from Space Invaders and other video games from the late 1970s. The images in these games were made with fairly low-resolution graphics, and are therefore suitable for reproduction as mosaics, with tiles representing the pixels. The tiles are difficult to alter and weather-resistant.

Invader installed his first mosaic in the mid 1990s in Paris. According to the artist, it was a scout, or sentinel, because it remained the only one for several years. The programme of installations began in earnest in 1998.

The locations for the mosaics are not random, but are chosen according to diverse criteria, which may be aesthetic, strategic or conceptual. Invader favours locations that are frequented by many people, but also likes some more hidden locations. In Montpellier, the locations of mosaics were chosen so that, when placed on a map, they form an image of a giant space invader character.

The mosaics are half built in advance, and Invader travels with them, and half from the city he is invading. When he arrives in a city he obtains a map and spends at least a week to install them. They are catalogued, pictured and Invader use a map indicating their locations within the city.

One of the more prominent places where the mosaics have been installed is on the Hollywood Sign. The first was placed on the letter D on December 31, 1999. During further trips to Los Angeles, Invader has placed mosaics on the 8 other letters of the sign.

Invader also works on another project that he titles "Rubikcubism", which consists making artworks made of Rubik's Cubes. Invader has had solo exhibitions at art galleries in Paris, Osaka, Melbourne, Los Angeles, New York City, and London.

Most recently, Invader placed two of his iconic tile works on the World Of Wonder Storefront Gallery, located at 6650 Hollywood Blvd., in Hollywood, CA. for the 4th annual I Am 8 Bit group show.

In 2010, he was one of the featured artists in the film Exit Through the Gift Shop in which it states he is a cousin of Thierry Guetta (Mr. Brainwash).

In the Futurama episode, Proposition Infinity (Season 6, Episode 4). Bender is depicted as a street artist, putting up images of himself using the same mosaic technique as Invader.

BANKSY


Banksy es el pseudónimo de un prolífico artista del graffiti británico. Se cree que nació en Yate, localidad cercana a Bristol, en 1974, pero los datos acerca de su identidad son inciertos y se desconocen detalles de su biografía. Según Tristan Manco, Banksy "nació en 1974 y creció en Bristol, Inglaterra. Hijo de un técnico de fotocopiadoras, entrenó como un carnicero pero se vio implicado en el graffiti durante el boom del aerosol en Bristol de finales de los 80'". Su trabajo, en su gran mayoría piezas satíricas sobre política, cultura pop, moralidad y etnias, combina escritura con graffiti con el uso de estarcidos con plantilla. Su arte urbano combina escritura con una técnica de stencils muy distintiva, similar a Blek le Rat, quien empezó a trabajar con stencils en 1981 en París; y miembros de la banda de anarco-punk Crass, que mantuvieron una campaña con stencils en las instalaciones del metro de Londres a finales de los 70's e inicios de los 80's. Banksy reconoció la influencia de Blek diciendo "cada vez que creo que he pintado algo ligeramente original, me doy cuenta de que Blek Le Rat lo hizo mejor, sólo que veinte años antes."[1] Sus obras se han hecho populares al ser visibles en varias ciudades del mundo, especialmente en Londres.

Banksy oculta su identidad real a la prensa general. Muchos periódicos han apuntado que su nombre podría ser Robert Banks o Robin Banks, pero este rumor podría haberse originado a partir de una broma por la similitud fonética entre el nombre "Robin Banks" y "robbing banks" ("robando bancos" en inglés).

Simon Hattenstone, de Guardian Unlimited, una de las pocas personas en entrevistarlo cara a cara, lo describe como "una mezcla entre Jimmy Nail y el rapero inglés Mike Skinner" y "un varón de 28 años que se presentó en un par de jeans y una camiseta con un diente de plata, una cadena de plata y un arete de plata".

Generalmente se cree que es un varón blanco, de pelo rubio, alto, que viste ropa típica del grafitero y que tiene entre 28 y 35 años.[2] Recientemente fue capturado por el objetivo de un telefono móvil trabajando en una de sus obras en Bristol, Inglaterra.


Comenzó su obra en las calles de Bristol, su ciudad natal, entre 1992 y 1994. En el año 2000 organizó una exposición en Londres y después de esto ha plasmado sus pintadas en ciudades de todo el mundo.

Banksy utiliza su arte urbano callejero para promover visiones distintas a las de los grandes medios de comunicación. Esta intención política detrás de su llamado "daño criminal" puede estar influida por los Ad Jammers (movimiento que deformaba imágenes de anuncios publicitarios para cambiar el mensaje).

Banksy también trabaja cobrando para organizaciones benéficas como Greenpeace y para empresas como Puma y MTV, y vende cuadros hasta por 25.000 libras en circuitos comerciales o en la galería de su agente, Steve Lazarides. Un juego de obras de Banksy se vendió en la casa de subastas Sotheby's por 50.400 libras. Esto le ha llevado a ser acusado de vendido por otros artistas y activistas. Al ser anónima su identidad todas estas acusaciones quedarían sin efecto.

Hay varios temas que se repiten en la obra de Banksy: ratas, oportunidades de foto (lugares típicos donde los turistas desearían hacer una foto sin pintadas), soldados orinando, policías, etc.

En agosto de 2005, Banksy ha realizado murales sobre el Muro de Cisjordania, construido por Israel en los territorios ocupados de Cisjordania (concretamente en Belén, Ramala y Abu Dis), combinando varias técnicas.

jueves, 25 de noviembre de 2010

STEALING BEAUTY


Stealing Beauty (French: Beauté volée; Italian: Io ballo da sola) is a 1996 drama film directed by Academy Award-winning Italian filmmaker Bernardo Bertolucci and written by Bertolucci and Susan Minot. It stars Liv Tyler, Joseph Fiennes, Jeremy Irons, and Rachel Weisz. The film focuses on an American teenage girl who travels to a lush Italian villa to stay with family friends of her poet mother who recently committed suicide. The film was actress Liv Tyler's first lead role, which garnered her critical attention, and because of this, is often seen as a starting point for her film career.

While the film takes place in Italy, the primary language spoken by the characters is English - however, Italian, French, Spanish, and German are also spoken by several of the characters through the course of the film.

Stealing Beauty premiered in Italy in March 1996, and was officially selected for the 1996 Cannes Film Festival in France in May.[2] It was released in the United States on June 14, 1996.

Lucy Harmon, an American teenager is arriving in the lush Tuscan countryside to be sculpted by a family friend who lives in a beautiful villa there. Lucy visited there four years earlier and exchanged a kiss with an Italian boy with whom she hopes to become reacquainted. Lucy's mother has committed suicide since then, and she also hopes to discover the identity of her father, whom her mother hinted was a resident of the villa. Once she arrives, Lucy meets and befriends a variety of eccentric locals who were companions of her mother, and begins to form relationships and connections with each of them. Lucy has decided to lose her virginity and becomes an object of intense interest to the men of the household, but the suitor she finally selects is not the initial object of her affection.

miércoles, 24 de noviembre de 2010

ULRICH BECK


Ulrich Beck (nacido el 15 de mayo de 1944) es un sociólogo alemán. Actualmente es profesor de la Universidad de Múnich y de la London School of Economics.

Beck estudia aspectos como la modernización, los problemas ecológicos, la individualización y la globalización. En los últimos tiempos se ha embarcado también en la exploración de las condiciones cambiantes del trabajo en un mundo de creciente capitalismo global, de pérdida de poder de los sindicatos y de flexibilización de los procesos del trabajo, una teoría enraizada en el concepto de cosmopolitismo. Beck también ha contribuido con nuevos conceptos a la Sociología alemana, incluyendo la llamada "sociedad del riesgo" y la "segunda modernidad".

Se puede ver como a lo largo de sus obras Beck se sitúa en una posición crítica, enfrentándose a las corrientes del postmodernismo. De esta manera, y junto con Giddens, defiende a la sociología reflexiva, para no abandonar el análisis crítico frente a los problemas actuales. Beck se acerca a los problemas de la nueva sociedad, que no son los mismos que describía la sociología de las sociedades precedentes, y encuentra una fuente de incertidumbre, inseguridad y riesgos. La sociedad postmoderna asume una carga de riesgo en su propia identidad que encierra una grave contradicción: el peligro de supervivencia de la especie. La ‘rentabilidad’ del sistema corre el riesgo de la incertidumbre; no parte de la asunción de la seguridad y de un escenario sostenible en términos ecológicos, sino que conoce que existen márgenes de peligrosidad para la especie cuya cobertura no es, paradójicamente, prioritaria en un sistema guiado por la obtención de beneficios y una representación retórica de la racionalidad que oculta la racionalidad. Los medios de comunicación, tienen un papel muy importante en la representación de los riesgos y la búsqueda de soluciones, aumentando el poder y el control social. El pensamiento de Beck está marcado por las constantes de una sociedad sometida a fuertes riesgos y a procesos de individualización. Para él la actualidad se forma con las noticias de las catástrofes ecológicas, las crisis financieras, el terrorismo, las guerras preventivas.

Beck distingue una primera modernización, que discurre a lo largo de la industrialización y la creación de la sociedad de masas, de una ‘segunda modernización’, propia de una sociedad que tiende a la globalización y está en constante desarrollo tecnológico. En la era industrial la estructura cultural y social era la familia, pero luego ese núcleo se rompe dando lugar a la individualización, aumentándose la incertidumbre del individuo en la sociedad de riesgo. Parece ser que esto es producto del neoliberalismo económico, y no solo afecta al plano personal sino que también afecta a las instituciones.

Con respecto a su pensamiento en el campo de la política, dice que no se necesita redactar nuevas normas sino que hay que adaptar las existentes a la realidad social y a las necesidades del momento. Se debe, según Beck, contrarrestar el excesivo peso del mercado y sus efectos, y ampliar el círculo social y cultural del individuo, con el objetivo de alcanzar un equilibrio y disminuir la incertidumbre. Además, ve necesario que los antiguos Estado nacionales cambien y comiencen un proceso de cohesión internacional y cooperación, reconociendo la diversidad e individualidades, para poder abordar preparados a esta segunda modernidad.

domingo, 21 de noviembre de 2010

DAVID CERNY


David Černý (born December 15, 1967 in Prague) is a Czech sculptor whose works can be seen in many locations in Prague. His works tend to be controversial. He gained notoriety in 1991 by painting a Soviet tank pink that served as a war memorial in central Prague. As the Monument to Soviet tank crews was still a national cultural monument at that time, his act of civil disobedience was considered "hooliganism" and he was briefly arrested.

Another of Černý's conspicuous contributions to Prague is "Tower Babies," a series of cast figures of crawling infants attached to Žižkov Television Tower.

In 2005, Černý created Shark, an image of Saddam Hussein in a tank of formaldehyde. The work was presented at the Prague Biennale 2 that same year. The work is a direct parody of a 1991 work by Damien Hirst, The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living. In 2006, the work was banned twice, first in Middelkerke, Belgium, then in Bielsko-Biała, Poland.[1] With respect to the Belgian situation, the mayor of that town, Michel Landuyt, admitted that he was worried that the exhibit could "shock people, including Muslims" in a year already marred by tensions associated with Danish cartoons depicting the prophet Mohammed.[2]

In Poland, the reasons for censorship remain ambiguous. The Deputy Mayor and designated cultural censor of Bielsko Biała, Zbigniew Michniowski, contacted the city-funded gallery, galeria BWA on September 9, 2006 and threatened dire consequences if the artwork were not removed promptly. Jacek Krywult, the mayor of Bielsko Biała, has not yet fully explained the reasons, but staunchly defends the principle of censorship in Poland, a country rich with contemporary art, but increasingly overwhelmed with circumstances associated with censorship.[citation needed] Although clear parallels have been identified with the Brooklyn Museum of Art when New York Mayor Rudolf Giuliani attempted to censor the 1999 sensation exhibition it is lamented that Bielsko Biała, like the rest of Poland, lacks a level of civil society through which Galeria BWA would have defended itself from the attack from the city government.[citation needed]

In response to Michniowski's private order to censor the work, Shark was transported to the Szara gallery, in the nearby town of Cieszyn, Poland. In sharp contrast to the pro-censorship perspective of Mayor Krywult and Deputy Mayor Michniowski, the mayor of Cieszyn, Bogdan Ficek, distanced himself from Bielsko Biała City Hall's League of Polish Families-inspired values. "I can not see any reason a politician should censor art," Ficek said.[3]

His Entropa, created to mark the Czech presidency of the European Union Council during the first half of 2009, attracted controversy both for its stereotyped depictions of the various EU member states, and because it turned out to have been created by Černý and two friends rather than, as promised, being a collaboration between artists from each of the member states.[4][5] Some EU members states reacted negatively to the depiction of their country. For instance, Bulgaria decided to summon the Czech Ambassador to Sofia in order to discuss the illustration of the Balkan country as a collection of squat toilets.[6]

You can find Entropa exhibiting at DOX - Center for Contemporary Art in Prague until January 4, 2010.

sábado, 20 de noviembre de 2010


Suprême NTM es un controvertido grupo de rap francés fundado en 1989, compuesto por los raperos Joey Starr (Didier Morville, nacido en 1967) y Kool Shen (Bruno Lopes, nacido en 1967), ambos originarios del distrito de Seine Saint-Denis o más concretamente de la cité del "9-3", una de las cités más peligrosas de Francia. Es por esto que en sus letras aparece repetidas veces el número 93 que es el número de distrito de Seine Saint-Denis. NTM están considerados como uno de los mejores grupos de rap en Francia y también son conocidos por sus problemas con la policía, y la ley en general.

El grupo tomó el nombre Suprême NTM, siglas de "Nique Ta Mère" que significa "Me follo a tu madre" (aunque también puede significar "Follate a tu madre" o "Que le jodan a tu madre").


Como ya ha quedado reflejado, NTM es conocido por su hostilidad frente a la policía, letras violentas, y el enfrentamiento contra los organismos autoritarios franceses. Esto, no obstante, le ha dado tanta fama como problemas legales. En 1996, un tribunal les condenó por la canción Police, a tres meses de cárcel y a seis meses de prohibición de ejercer sus profesiones como cantantes. En 1997, fueron condenados a pagar 50000 francos (unos 7500 €) por proferir insultos y generar odio contra las fuerzas del orden durante un concierto, así como 2 meses de cárcel.

Por su parte, JoeyStarr ha sido condenado muchas más veces, su primer delito condenado fue en 1984, y a partir de ese año ha habido muchas más penas y condenas, incluyendo la famosa agresión a una azafata durante un vuelo, malos tratos a un mono, tráfico de drogas, conducción a contrasentido y porte de armas blancas y de fuego.

domingo, 14 de noviembre de 2010

Nació en Ramsgate, (Kent, Inglaterra), y falleció en Cambridge, Massachusetts, (Estados Unidos). Publicó trabajos sobre álgebra, lógica, fundamentos de las matemáticas, filosofía de la ciencia, física, metafísica, epistemología y educación. El trabajo más conocido, del que es coautor con Bertrand Russell, es Principia Mathematica. En ese tiempo partiendo de una teoría relacionista (o más bien relativista) del espacio centró su epistemología en la naturaleza de las cosas. Mantuvo tal postura hasta la década de 1930. A partir de entonces su obra tomó visos más metafísicos.

Whitehead fue profesor en las universidades de Londres y de Cambridge, donde destacó por sus estudios lógico-matemáticos. Luego en Estados Unidos fue director de la cátedra de filosofía en la Universidad de Harvard, y tuvo entre sus discípulos a Quine.

miércoles, 10 de noviembre de 2010

TIMOTHY GARTON ASH


Timothy Garton Ash (nacido el 12 de julio de 1955) es un escritor, editorialista y periodista británico, autor de ocho libros como analista político (denominados en ocasiones como de "historia del presente"), documentando la transformación de Europa durante el último cuarto de siglo. Es profesor de Estudios Europeos en la Universidad de Oxford y Senior Fellow del Instituto Hoover, en la Universidad de Stanford. Sus ensayos aparecen regularmente en el New York Review of Books, y escribe una columna semanal en The Guardian que se distribuye por multitud de publicaciones en Europa (en España, el diario El País), Asia y América. También escribe con frecuencia en el New York Times, el Washington Post o el Wall Street Journal.Después de estudiar Historia Moderna en Oxford, sus investigaciones acerca de la resistencia alemana a Hitler lo llevaron a Berlín, donde vivió durante varios años, tanto en la mitad occidental como en la oriental. A partir de ahí, comenzó a viajar con frecuencia a los países comunistas tras el Telón de Acero. A lo largo de la década de 1980, analizó e informó acerca del abandono del comunismo en Europa central en sus contribuciones en la New York Review of Books, The Independent, The Times y la revista The Spectator. Fue Editor de Relaciones Exteriores del Spectator, editorialista sobre asuntos de Europa Central para The Times, y columnista de internacional de The Independent. En 1986-87 fue becario en el Woodrow Wilson International Center for Scholars de Washington DC. Desde 1990, ha sido miembro del St Anthony's College de Oxford, donde dirigió su Centro de Estudios Europeos entre 2001 y 2006. En la actualidad, es profesor de Estudios Europeos de Oxford, profesor becario Isaiah Berlin del St Anthony's College y Presidente Honorario del Centro de Estudios Europeos, presidiendo también el consorcio de Estudios Europeos de Oxford. Se convirtió en Senior Fellow del Instituto Hoover de Universidad de Stanford en 2000. Conferenciante habitual, es miembro de la Royal Society of Literature, la Royal Historical Society y la Royal Society of Arts, así como Miembro Correspondiente de la Academia de Berlín-Brandenburgo de Ciencias.[

martes, 9 de noviembre de 2010

BASQUIAT

FORTUNATO DEPERO


Fortunato Depero
(March 30, 1892 - November 29, 1960) was an Italian futurist painter, writer, sculptor and graphic designer.

Although born in Fondo (in the Italian Trentino region), Depero grew up in Rovereto and it was here he first began exhibiting his works, while serving as an apprentice to a marble worker. It was on a 1913 trip to Florence that he discovered a copy of the paper Lacerba and an article by one of the founders of the futurism movement, Filippo Tommaso Marinetti. Depero was inspired, and in 1914 moved to Rome and met fellow futurist Giacomo Balla. It was with Balla in 1915 that he wrote the manifesto Ricostruzione futurista dell’universo ("Futurist Reconstruction of the Universe") which expanded upon the ideas introduced by the other futurists. In the same year he was designing stage sets and costumes for a ballet.

In 1919 Depero founded the "Casa d'Arte Futurista" (House of Futurist Art) in Rovereto, which specialised in producing toys, tapestries and furniture in the futurist style. In 1925 he represented the futurists at the Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes (International Exposition of Modern Industrial and Decorative Arts).

1928 saw Depero move to New York, where he experienced a degree of success, doing costumes for stage productions and designing covers for magazines including Movie Maker, The New Yorker and Vogue, among others. He also dabbled in interior design during his stay, working on two restaurants which were later demolished to make way for the Rockefeller Center. He also did work for the New York Daily News and Macy's, and built a house on West 23rd Street. In 1930 he returned to Italy.

In the 1930s and 40s Depero continued working, although due to futurism being linked with fascism, the movement started to wane. The artistic development of the movement in this period can mostly attributed to him and Balla. One of the projects he was involved in during this time was Dinamo magazine, which he founded and directed. After the end of the Second World War, Depero had trouble with authorities in Europe and in 1947 decided to try New York again. This time he found the reception not quite as welcoming. One of his achievements on his second stay in the United States was the publication of So I Think, So I Paint, a translation of his autobiography initially released in 1940: Fortunato Depero nelle opere e nella vita (literally, Fortunato Depero, his works and his life). From the winter of 1947 to late October 1949 Depero lived in a cottage in New Milford, Connecticut, relaxing and continuing with his long-standing plans to open a museum. His host was William Hillman, an associate of the then-President, Harry S. Truman.

After New Milford, Depero returned to Rovereto, where he would live out his days. In August 1959 Galleria Museo Depero opened, fulfilling one of his long-term ambitions. On November 29, 1960, after being ill with diabetes and spending the last two years unable to paint due to hemiparesis, Depero died age 68.

Many of his works are featured in the permanent collection of the Mart, the Museum of Modern and Contemporary Art of Trento and Rovereto. The Casa d'Arte Futurista Depero, Italy's only museum dedicated to the Futurist movement, and containing 3,000 objects is now one of Mart's venues. Closed for many years for extensive refurbishment, the Casa d'Arte Futurista Depero has since re opened.