Federico Fellini (n. Rímini, 20 de enero de 1920 – † Roma, 31 de octubre de 1993) fue un director de cine y guionista italiano, considerado por algunos como el mejor director de todos los tiempos.Avanguardista durante el Fascismo, sus primeras obras fueron para la Alleanza Cinematográfica Italiana (ACI), una compañía productora de Vittorio Mussolini, hijo de Benito Mussolini, a través del cual conoció a Roberto Rossellini.

En 1944, tras la caída del Fascismo en una Roma apenas liberada de las tropas armadas, abrió una tienda de retratos y caricaturas, The Funny Face Shop. El mismo año comenzó su contribución a la película más emblemática del cine italiano de posguerra: Roma Città Aperta (Roma ciudad abierta). Fellini también escribió guiones para otros directores reconocidos como Alberto Lattuada (Sin piedad, El molino del Po), Pietro Germi (En nombre de la ley, La ciudad se defiende) y Luigi Comencini.

Hay tres momentos en la filmografía de este director: Sus inicios, en constante coqueteo con la corriente neorrealista predominante en el cine italiano de los 40 y 50, y en aras de encontrar un estilo propio que le definiera como creador (de El jeque blanco a Almas sin conciencia pasando por la estupenda Los inútiles (I vitelloni, 1953); la resonancia internacional y conquista de las taquillas de todo el mundo, Óscar incluidos (La strada, Las noches de Cabiria, La dolce vita, Julieta de los espíritus, El Satiricón, Casanova y Amarcord); y la época de madurez, marcada por su distanciamiento con la crítica y por su pérdida de rentabilidad masiva de cara al mercado coincidiendo con dos acontecimientos clave: al final de la supremacía de los grandes estudios estadounidenses y europeos, y el relevo generacional tan rupturista como radical que se produce en los primeros años 70 en medio mundo se une ahora el auge de la TV como motor del ocio diario de la gran mayoría del público, acompañada de la fabricación de un nuevo invento que cambia el concepto de la industria del cine predominante hasta entonces: el vídeo doméstico.

Balthasar Kłossowski de Rola (29 de febrero de 1908 en París - 18 de febrero de 2001) fue un artista polaco/francés.

Durante sus años de formación, estuvo patrocinado por Rainer Maria Rilke y Pierre Bonnard. Su padre, Erich Klossowski, un destacado historiador de arte, y su madre Elisabeth Dorothea Spiro (conocida como Baladine Klossowska) eran parte de la élite cultural de París. El hermano mayor de Balthus, Pierre Klossowski fue un filósofo influido por los escritos del Marqués de Sade. Jean Cocteau, quien era amigo de la familia, encontró inspiración para su novela Les Enfants Terribles (1929) en sus visitas a la familia.

Como maduró a principios de la década de 1930, muchas de las pinturas de Balthus representan a jóvenes mujeres en posiciones eróticas y voyeurísticas. Una de sus obras más notables es La lección de guitarra 1934, causó una gran controversia en París debido a su descripción de una escena explícita de lesbianismo caracterizada por una joven y su profesora.

En 1937 se casó con Antoinette de Watteville, a quien había conocido en 1924. Ella fue la modelo para una serie de retratos.

Pronto su trabajo comenzó a ser admirado por escritores y seguido por pintores, especialmente por André Breton y Pablo Picasso. Su círculo de amigos en París incluía al novelista Pierre-Jean Jouve, los fotógrafos Josef Breitenbach y Man Ray, Antonin Artaud, y los pintores André Derain, Joan Miró y Alberto Giacometti. En 1948, Albert Camus, otro de sus amigos, le pidió que diseñara los decorados y el vestuario para su obra L'Etat de Siège , dirigida por Jean-Louis Barrault.

Balthus pasó la mayor parte de su vida en Francia. En 1953 se mudó a Chateau de Chassy en donde terminó su obra maestra El cuarto (1952), influido por las novelas de Pierre Klossowski, y La calle (1954). En 1964 se mudó a Roma, en donde presidió la Academia francesa en Roma e hizo amistad con el realizador de cine Federico Fellini y el pintor Renato Guttuso.

En 1977 se mudó a Rossinière, Suiza. El tuvo una segunda esposa, Setsuko, de nacionalidad japonesa y también pintora. Esto agregó aún más misterio alrededor de su vida, de la cual no se conocía mucho a pesar de su fama. Conoció a Setsuko durante una misión diplomática en Japón. Los fotógrafos y amigos Henri Cartier-Bresson y Martine Franck realizaron retratos del pintor, su mujer y su hija Harumi en su Grand Chalet en Rossinière en 1999.

Fernand Léger (4 de febrero de 1881 - 17 de agosto de 1955). Pintor cubista francés.

Desde los primeros momentos, el cubismo de Léger se orienta hacia el desarrollo de la iconografía de la máquina.
En 1910 expone con Braque y Picasso en la galería de Kahnweiler donde, en 1912, hace también su primera individual. Al siguiente año comienza a investigar sobre formas de máquinas representadas con colores primarios, llegando en ocasiones a una estructura abstracta que se hace más explícita con los títulos, como por ejemplo Contraste de formas, de 1913, donde se acerca a las ideas de Delaunay sobre los contrastes de color, aunque manteniendo la marcada tridimensionalidad de sus primeros trabajos. Su fascinación por las formas geométricas y los colores brillantes le lleva a menudo al borde de un arte abstracto, que siempre acaba rechazando.Entre 1914 y 1917 cumple su servicio militar. La experiencia de la guerra le revela las posibilidades visuales de las máquinas como iconos de la modernidad; aunque su estilo ya estaba predispuesto en esta dirección, a partir de entonces usa las formas cilíndricas y geométricas para idear un mundo mecanizado, aunque, a diferencia de los futuristas, no venera a la máquina, sino que quiere reconciliar sus formas metálicas y regulares con las formas orgánicas, para construir una visión humanista.

The Stockholm school, or Stockholmsskolan, is a school of economic thought. It refers to a loosely organized group of Swedish economists that worked together, in Stockholm, Sweden primarily in the 1930s. The Stockholm school had at the same time as John Maynard Keynes, but independently, come to the same conclusions in macroeconomics and the theories of demand and supply. Like Keynes, they were inspired by the works of Knut Wicksell, a Swedish economist active in the early years of the twentieth century.

Two of the most prominent members of the Stockholm school were Stockholm School of Economics professors Gunnar Myrdal and Bertil Ohlin. The movement's name, "The Stockholm School", was launched in an article by Bertil Ohlin in the influential Economic Journal in 1937, "Some Notes on the Stockholm Theory of Savings and Investment". The article was published in response to the publication of Keynes' magnum opus, The General Theory of Employment, Interest and Money in 1936, and its purpose was to draw international attention to the Swedish discoveries in the field, many of which had predated the discoveries of Keynes. Gunnar Myrdal was early in supporting the theses of John Maynard Keynes, maintaining that the basic idea of adjusting national budgets to slow or speed an economy was first developed in Sweden by him and the Stockholm school.

Myrdal and Ohlin went on to further develop their theories, and in so doing they developed the intellectual underpinnings of the modern north European welfare state. Their theories were embraced and implemented as national policy by the two powerful arms of the Swedish labor movement, the Swedish Social Democratic Party and the national labor union, the Swedish Trade Union Confederation. In the post-World War II geopolitical situation, with two rival predatory political blocks, their theories also achieved wide international appeal as a "third way", i.e. a middle way between a capitalist economy and a socialist economy. The objective of this "third way" was to achieve a high level of social equality without undermining economic efficiency.

Armando Pizzinato nasce a Maniago il 7 ottobre 1910.

Nel 1930 si iscrive all’Accademia di Venezia per seguire i corsi di pittura di Virgilio Guidi; primi contatti con altri artisti. Nel 1933 espone alla galleria Il Milione di Milano nella mostra Cinque giovani pittori veneti. Nei primi quadri, principalmente figure e nature morte, forte è l’influenza dell’opera di Gino Rossi. Nel 1936 vince la borsa di studio Marangoni a Udine. Si reca a Roma, entrando in contatto con gli artisti della scuola romana con cui condivide l’opposizione alla cultura fascista e la necessità di un rinnovamento dell’arte italiana. Nel 1942 rientra a Venezia. Contatti con l’ambiente del Cavallino: Arturo Martini, Carlo Scarpa, Cesetti, Viani, Santomaso, poi Afro e Dino Basaldella, Turcato e Vedova. Nelle sue opere è chiaro l’influsso di Guernica di Picasso. Nel 1943 prima personale alla galleria il Milione di Milano. Interrompe l’attività pittorica per partecipare alla Resistenza. Arrestato nel 44 come “pericoloso comunista” evade dalla prigione il 25 aprile 1945. Nel 1946 espone insieme a Vedova Le tempere partigiane alla galleria dell’Arco di Venezia. Sempre in quell’anno è fra i promotori del Fronte Nuovo delle Arti, con cui espone alla XXIV Biennale di Venezia nel 1948. In quest’occasione Peggy Guggenheim acquista il quadro Primo maggio, che successivamente dona al Museo d’Arte Moderna di New York. Con la scissione del Fronte Nuovo, è tra i promotori del “Realismo italiano” con cui espone alla Biennale del 1950. Artista militante, crea opere di forte impegno sociale, la più importante delle quali è il trittico Un fantasma percorre l’Europa.

Partecipa alle Biennali del 1952 e del 1954. Dal 1953 al 1956 esegue un ciclo d’affreschi per la Sala consiliare della Provincia di Parma, l’arredamento è opera di Carlo Scarpa. Nel 1956 la chiusura della rivista “Il Realismo” segna la fine del movimento e il progressivo isolamento dell’artista che resta, comunque, fedele alla sue idee. Alla fine del 1962, l’evento traumatico dell’improvvisa morte della moglie Zaira, provoca una profonda crisi. Con la serie dei Giardini del 1963, Pizzinato torna ad una pittura intima, privata in cui esprime un nuovo lirismo in rapporto con la natura. La sua pittura ritrova soluzioni formali di ascendenza futurista e costruttivista al limite dell’astrazione. Nel 1966 espone di nuovo, e con successo, alla Biennale di Venezia. L’incontro con Clari, la seconda moglie, è fonte di nuova ispirazione. Famose sono le serie delle Venezie, delle Betulle e dei Gabbiani. Nel 1988 presenta alla Gallerie del Traghetto le opere dell’ultimo periodo, felicemente battezzate da Mazzariol “Preludio per un quarto tempo”.

The Crystal Palace (literalmente palacio de cristal) fue una enorme construcción erigida en Londres en 1851 para albergar la Gran Exposición. Originalmente se encontraba en Hyde Park, pero en 1854 fue trasladada a una zona del sur de Londres conocida como Upper Norwood, donde permaneció hasta su destrucción por un incendio en 1936.

El artífice de la Gran Exposición fue Henry Cole, miembro de la Royal Society for the Encouragement of Arts, Manufactures, and Commerce (hoy Royal Society of Arts). Desde su cargo impulsó la organización de varias exposiciones de ámbito nacional. Sin embargo, tras visitar la 11ª Exhibición quinquenial de París, celebrada en 1849, se plantea organizar una exposición abierta a la participación de todas las naciones.

En 1850 se promueve la celebración de la primera gran Exposición Universal del mundo, apadrinada por el príncipe Alberto. Se elige Hyde Park como sede, y se convoca un concurso de ideas para la construcción del edificio principal, al que se presentarán 245 competidores. Todas las propuestas fueron rechazadas por considerarse inviables, ya que se basaban en el empleo de grandes elementos prefabricados no reutilizables. No obstante, las propuestas del francés Horeau y del irlandés Richard Turner recibieron mención especial. Ambas proponían un pabellón de hierro y vidrio.

El comité de obras decice proponer un proyecto base^[1] y sacarlo a contrata, para que las compañías presenten ofertas y modificaciones. La propuesta del comité fue criticada por considerarse muy costosa y no poder ejecutarse en el plazo requerido. El tiempo se agotaba entre concursos fallidos y propuestas inviables, con lo que la celebración de la exposición peligraba. Es entonces cuando interviene Joseph Paxton, experimentado constructor de invernaderos. Paxton había sido jardinero^[2] en Chatsworth, al servicio del Duque de Devonshire. Allí había experimentado con grandes invernaderos de hierro y vidrio, por lo que pudo aplicar sus conocimientos al palacio con resultados asombrosos.

Paxton elabora un proyecto y se lo hace llegar a un miembro del comité. Sin embargo, el comité ya se encuentra comprometido, por lo que Paxton se asocia con los contratistas Fox y Henderson y lo presenta a concurso como una variante del proyecto base. El proyecto de Paxton fue elegido por varias razones, era la propuesta más barata y se podía ejecutar rápidamente. El proyecto conjugaba la resistencia y durabilidad de la construcción con la facilidad y rapidez en el montaje. Paxton pudo inspirarse^[3] en parte en la estructura orgánica de la Victoria amazónica, un género de lirios de agua gigantes, que él cultivó con éxito.

El nombre de Crystal Palace fue acuñado por la revista satírica Punch

Hjalmar Horace Greeley Schacht, nacido en Tinglev, cuando esta ciudad formaba parte de Alemania (hoy pertenece a Dinamarca) el 22 de enero de 1877, y fallecido en Múnich, el 3 de enero de 1970, fue un político y financiero alemán, ministro de Economía del Tercer Reich entre 1934 y 1937.

Era hijo de William Leonhard Ludwig Maximillian Schacht y de la baronesa danesa Constanze Justine Sophie von Eggers, siendo su nombre un homenaje a Horace Greeley, fundador del periódico Tribune, que después pasó a llamarse New York Herald Tribune.

Estudió medicina, filología y ciencas políticas antes de doctorarse en Ciencias Económicas en 1899 por la Universidad de Kiel. En 1903 entra a trabajar en el Dresdner Bank.

Durante la Primera Guerra Mundial (1914-1918) es nombrado encargado de la administración económica de los territorios ocupados en Bélgica.

Schacht contribuyó a reducir la inflación y a estabilizar el marco cuando se convirtió en presidente del Reichsbank el 22 de diciembre de 1923. Se mantuvo como presidente del banco central alemán hasta 1930. Contribuyó a la elaboración del plan Young, destinado a reducir las reparaciones de guerra a las que Alemania estaba obligada tras la Primera Guerra mundial.

Aun sin ser militante del partido nazi, Schacht ayudó a Adolf Hitler a reunir fondos para sus campañas. En 1932, organizó una petición de industriales para reclamar al presidente Hindenburg el nombramiento de Hitler como canciller. Una vez en el poder, Hitler nombra a Schacht presidente del Reichsbank, y luego ministro de Economía en 1934. Desarrolla una política keynesiana de inversiones públicas, especialmente impulsando grandes obras, como por ejemplo la construcción de autopistas, y reduce el déficit presupuestario del Estado para encontrar fondos. También desarrolla una política de lucha contra la inflación plasmada en los llamados "Bonos MEFO". Éstos constituían una suerte de circulación pseudomonetaria que redujo la inflación de forma visible. En 1935 se le nombra Plenipotenciairio general para la economía de guerra.

En enero de 1937, Schacht es nombrado miembro honorario del partido nazi y condecorado con la Swatiska de oro. Dimite en noviembre de 1937, debido a diferencias especialmente sobre la importancia de los gastos militares, generadores de inflación, y de sus relaciones conflictivas con Hermann Göring. Conserva su cargo al frente del Reichsbank hasta 1939, siendo ministro sin cartera hasta 1943.

Acusado de estar implicado en el atentado del 20 de julio de 1944 contra Hitler, Schacht es internado en el campo de concentración de Dachau hasta el final de la guerra. Liberado por los Aliados, figura entre los acusados en el proceso de Nuremberg, donde se le acusa de complot y de crímenes contra la paz, especialmente por su contribución en preparar la economía alemana para la guerra. Entre los acusados, obtuvo los mejores resultados en los test de inteligencia (143) preparados por el psiquiatra de la prisión. Es absuelto y liberado en 1946, pero es de nuevo juzgado por un tribunal alemán de desnazificación que le condena a una pena de ocho años de trabajos forzados. Puesto en libertad en 1948 se convierte en consejero financiero para los países en vías de desarrollo.

Michelangelo Pistoletto (born 23 June 1933 in Biella) is an Italian painter, action and object artist, and art theorist. Pistoletto is acknowledged as one of the main representatives of the Italian Arte Povera. His work mainly deals with the subject matter of reflection and the unification of art and everyday life in terms of a Gesamtkunstwerk.

From 1947 until 1958, Pistoletto worked in his father’s restoration workshop in Turin. In the 1950s, he started painting figurative works and self-portraits. In 1959, he participated in the Biennale di San Marino. In the following year, he had his first solo exhibition in the Galleria Galatea in Turin. In the beginning of the 1960s, Pistoletto started painting figurative works and self-portraits which he painted on a monochrome, metallic background. Later on, he combined painting with photography using collage techniques on reflective backgrounds. In doing so, he sometimes used concave or convex distorting mirrors, which made the observer appear too large or too small in comparison with the realistic-looking painted figures. Eventually, he switched over to printing photorealistic scenes on steel plates polished to a high finish. He did that using the screen-printing method which made the observer almost completely melt in with what was depicted.^[1] In the mid-1960s, gallery owner Ileana Sonnabend brought him into contact with an international audience.

In 1965/1966, he produced the series of works Oggetti in meno (Minus Objects), which belongs to Pistoletto’s early sculptural works. In 1966, Pistoletto had his first solo exhibition in the USA, at the Walker Art Center in Minneapolis. In 1967, his work was awarded first prize in the Biennale de São Paolo. In the same year, Pistoletto started focusing on performance, video art and theatre. He founded an action art group, called "Zoo Group", which gave several performances between 1968 and 1970. These took place in the studio, public buildings or on the streets of Turin or other large cities. As was already the case with Pistoletto’s 2-dimensional and sculptural works, the aim was to display the unity of art and everyday life.

Edward Louis Bernays (n. 22 de noviembre de 1891, en Viena, Austria – † 9 de marzo de 1995, en Cambridge, Massachusetts, Estados Unidos).^[1] Publicista, periodista e inventor de la teoría de relaciones públicas. De nacionalidad austríaca, nació en el seno de una familia judía, fue sobrino de Sigmund Freud.

Siendo aún niño, sus padres se radican en Estados Unidos. En el año 1912, se graduó de agricultura en Cornell, pero su verdadera pasión eran las comunicaciones, donde se desempeñó en la publicidad, periodismo y finalmente en las relaciones públicas, a las cuales se dedicó por completo, llegando a ser considerado el “padre” de la profesión por muchos estudiosos, al dar el primer gran paso definiéndola, resaltando la necesidad imperiosa de ejercerla, indicar sus funciones y su campo de acción, en vista de la alta demanda existente en el área comunicacional de las organizaciones, y la creciente necesidad social por ser escuchados.

El Dr. Edward Bernays, fue el pionero mundial de las Relaciones Públicas al ser él quien las bautiza y da nombre siendo el primero en publicar un libro sobre la materia en el año 1923 en Nueva York, titulado “Cristalizando la opinión pública”, traducido al castellano y publicado en los años 90 en España por Gestión 2000. Siendo el propio Bernays quien lo presente en Madrid y Barcelona junto al libro de su discípulo José Daniel Barquero sobre él, con la presencia de numerosas autoridades.

Bernays fue asesor personal en materia de Relaciones Públicas de varios Presidentes de Estados Unidos, de la Casablanca y de las empresas nacionales e internacionales más importantes del mundo, según el libro “Public Relations, the Edward Bernays and The American Scene: a bibliography", de Keith A. Larson.

John Maynard Keynes, primer Barón Keynes, CB (pronunciado /ˈkeinz/) (Cambridge, 5 de junio de 1883 - Firle, 21 de abril de 1946) fue un economista británico, cuyas ideas tuvieron una fuerte repercusión en las teorías económicas y políticas modernas, así como también en las políticas fiscales de muchos gobiernos.

Keynes y sus seguidores de la postguerra destacaron no solo el carácter ascendente de curva de oferta, en contraposicion con la visión clásica, sino que además la inestabilidad de la demanda agregada, proveniente de los shocks ocurridos en mercados privados, como consecuencia de los altibajos en la confianza de los inversionistas. Dado este énfasis en la demanda, era natural para Keynes proponer el uso de políticas fiscales y monetarias activas para contrarrestar las perturbaciones de la demanda privada, por lo que es particularmente recordado por su aliento a una política de intervencionismo estatal, a través de la cual el estado utilizaría medidas fiscales y monetarias con el objetivo de mitigar los efectos adversos de los periodos recesionarios de las fluctuaciones cíclicas o crisis cíclicas de la actividad económica. Los economistas lo consideran uno de los principales fundadores de la macroeconomía moderna.

Käthe Kollwitz (Königsberg, 8 de julio de 1867 - Moritzburg (Sajonia), 22 de abril de 1945) pintora, escultora y, sobre todo, artista gráfica alemana.

Tuvo como primer maestro al pintor Gustav Naujok. Durante 1885-86 estudia en Berlín bajo la dirección de Karl Stauffer. Y en esta época conoce a Max Klinger, cuya obra le influye decisivamente. Durante su estancia en Múnich (1888-89), trata con los artistas Greiner, Max Fiedler, Kögel y conoce la literatura naturalista de Émile Zola, Henrik Ibsen, Máximo Gorki, Gerhart Hauptmann, cuya obra, en especial la del último, impregnará su propio arte. En 1891 se casó con el médico Karl Kollwitz y se trasladaron a Berlín. Por estas fechas abandona por completo la pintura y se dedica exclusivamente a la gráfica. En febrero de 1893 la asistencia a la representación del drama Los tejedores de Gerhart Hauptmann le sugirió su primer gran ciclo gráfico: La rebelión de los tejedores (1893-97). El levantamiento (1899) y el Baile de la guillotina (1901) la consagran ante el público. La segunda gran serie gráfica se tituló: Guerra de los campesinos (1902-08). Por este ciclo le otorgan el premio Villa Romana, que le permitió trasladarse un año a Florencia. Las obras anteriores se mueven estilísticamente en el naturalismo y realismo del s. XIX. A partir de su tercera serie: La guerra (1923), grabada en madera, se advierte un desplazamiento a la órbita expresionista. Las formas adquieren mayor sentido plástico, sobre todo en el Monumento a K. Liebknecht. Por esta época realiza también numerosos carteles antiguerra. En su última serie, La muerte (1933), alcanza la dimensión de lo visionario. En ella se aprecian más claramente las formas expresionistas y la influencia de Ernst Barlach y Edvard Munch. Su obra ha sido desconocida hasta hace poco tiempo, debido a sus contenidos críticos y al esteticismo imperante. Es, sin embargo, una de las figuras más destacadas del realismo crítico a finales del XIX y principios del XX.

Lyndon Hermyle LaRouche, Jr. (nació 8 de septiembre de 1922 en Rochester, New Hampshire ) es un economista, activista político , y fundador de muchas organizaciones conocidas colectivamente como el Movimiento LaRouche. Ha sido un candidato perenne para Presidente de los Estados Unidos, habiendo participado en 8 elecciones desde 1976, una vez por el Partido Laborista de los Estados Unidos y siete veces como candidato para la nominación por el Demócrata. Fundador y financiador de la revista Executive Intelligence Review, ha escrito sobre asuntos económicos, científicos, y políticos, así como de historia, filosofía, y sicoanálisis, en una serie de artículos y análisis económicos, políticos, históricos-geopolíticos, filosóficos, científicos y sociales desde la decada de 1950. Presenta un análisis global actualizado semanalmente a través de conferencias abiertas, transmitidas por internet en vivo y en directo, con intervenciones en vivo de políticos norteamericanos activos a través de preguntas sobre el tema del momento.

Nicolae Grigorescu, nació el 5 de mayo de 1838 en Pitaru, es considerado el fundador de la pintura rumana moderna. Fue un símbolo para la nueva generación de aquella época que intentaban a sacar a la luz la verdadera cultura rumana.

Nicolae Grigorescu fue el sexto niño de la familia de Ion y Maria Grigorescu. En 1843 su padre muere y su familia decide mudarse a Bucarest. Después de un breve periodo de aprendizaje en el taller del pintor checo Anton Chladek, realiza pinturas en las iglesias de Băicoi y en el monasterio de Căldăruşani.

En 1856 realiza la obra Mihai scăpând stindardul que representa al señor Barbu Ştirbei

En 1856-1957 realiza la pintura del monasterio Zamfira en el distrito de Prahova y hasta en 1861 realiza la pintura del monasterio Agapia donde esta remarcado por Mihail Kogălniceanu y recibe una beca en París.

En el otoño de 1861 se va a París donde entra a L'ecole de belle arte y asiste a clases en el taller del pintor Sebastien Cornu, siendo compañero de Renoir.

A poco tiempo se va a asistir a clases a Barbizon y a vivir allí. Hasta en 1877 cuando va como pintor de guerra participa a varios exposiciones en París, Roma, Napoli, Pompei, Grecia, Viena.

Entre 1879 y 1890 trabaja en sus talleres de Bretagne la Vitré y luego de París. Desde 1890 se va a vivir a Câmpina en el distrito de Prahova donde realiza muchas obras inspiradas de la vida rural,cuadros con campesinas,bueyes,caminos llenos de polvo.En 1899 esta nombrado miembro honorario de la Academia rumana.

El 21 de julio de 1907 moriría en su casa de Câmpina dejado su ultimo cuadro Întoarcerea de la bâlci sin acabar.

El escritor rumano Alexandru Vlăhuţă dijo de Nicolae Grigorescu: De la vida de Grigorescu cuentan sus obras. Una vida sencilla, callada, poderosa, dedicada toda a su arte. Además de arte nada existe por él. Allí puso su profundo amor de la naturaleza, de sus joyas y sus misterios, maravillosas en cualquier lugar, pero en particular en su país y en el seno de su gente, allí el amor de bien, de verdad y de hermosura.

William Blake (* Londres (Inglaterra); 28 de noviembre de 1757 – † Ibídem; 12 de agosto de 1827) fue un poeta, pintor, grabador y místico inglés. Aunque permaneció en gran parte desconocido durante el transcurso de su vida, actualmente el trabajo de Blake cuenta con una alta consideración. Por la relación que en su obra tienen la poesía y sus grabados respectivos suele ponerse a Blake como ejemplo del «artista total». Según el periódico The Guardian, «William Blake es con gran margen el mayor artista que Gran Bretaña ha producido».[1]

Considerar los logros de Blake en poesía o en las artes visuales por separado sería perjudicial para entender la magnitud de su obra: Blake veía estas dos disciplinas como dos medios de un esfuerzo espiritual unificado, y son inseparables para apreciar correctamente su trabajo. Por esta razón, las ediciones ilustradas de la obra de Blake han sido especialmente valoradas en el pasado, hasta que los avances en las técnicas de impresión han permitido una mayor difusión, al hacerse éstas más accesibles.[2

El mandarín o chino mandarín (literalmente "habla de los oficiales") es el conjunto de dialectos chinos mutuamente inteligibles que se hablan en el norte, centro y suroeste de China. El término chino es, en pinyin, běifānghuà (Tradicional: 北方話 / simplificado: 北方话, "habla del norte"). Es la principal forma hablada del chino, con más de 836 millones de hablantes. El mandarín es muy diferente de los dialectos del sur, como el cantonés o el wu, hasta el punto de que muchos lingüistas prefieren considerar al mandarín y a los dialectos del sur como lenguas diferentes.

Por extensión, el término mandarín se utiliza también para designar a la lengua china normativa u oficial, llamada "pǔtōnghuà" (普通話 / 普通话 "habla normal") en la República Popular China, guóyǔ (國語 / 国语, "lengua nacional") o hànyǔ (漢語 / 汉语, "lengua de la raza Han") en Taiwán, y huáyǔ (華語 / 华语, "lengua china") en Singapur, Malasia e Indonesia. Esta lengua estándar moderna se empezó a configurar a principios del siglo XX, y está basada fundamentalmente en la variedad pequinesa del mandarín, el běijīnghuà (北京話 / 北京话, "habla pequinesa").