PIPILOTTI RIST

Elisabeth Charlotte Rist (nacida en 1962 en Grabs, Sankt Gallen, Suiza) es una reconocida videoartista. Actualmente vive y trabaja entre Zúrich y Los Ángeles.

Elisabeth Charlotte Rist nació en 1962 en Grabs, Sankt Gallen, Suiza. Desde su infancia siempre ha sido llamada Pipilotti. El nombre hace referencia a la novela Pippi Calzaslargas de Astrid Lindgren.

Rist estudió en el Instituto de Artes Aplicadas de Viena, hasta 1986. Posteriormente estudió video en la Escuela de Diseño (Schule für Gestaltung) en Basilea, Suiza. En 1997 su trabajo fue presentado en la Bienal de Venecia, donde fue premiado con el Premio 2000.

Entre 1994 y 1998 fue miembro de la banda y grupo para performances Les Reines Prochaines. En 2002 fue invitada por el profesor Paul McCarthy para impartir clases en la Universidad de los Ángeles (UCLA).

Pipilotti Rist vive actualmente con su compañero Balz Roth, con el que tiene un hijo, Himalaya.

Durante sus estudios, empezó a realizar películas en Super 8. Sus trabajos duran generalmente un par de minutos, alterando colores, velocidad y sonido. Sus trabajos generalmente tratan hechos relacionados con el género, sexualidad y el cuerpo humano.

En contraste con otros muchos artistas conceptuales, sus coloridos y musicales trabajos transmiten una sensación de felicidad y sencillez. Fueron en un principio considerados como obras de crítica feminista. Hoy en día sus trabajos se encuentran en las más importantes colecciones de arte de todo el mundo.

En I'm not the Girl Who Misses Much (1986) Rist muestra como baila ante la cámara con un vestido negro con el pecho descubierto y labios rojos. Las imágenes son monocromáticas y difusas. Canta "I'm not the girl who misses much"; su versión del estribillo de la canción Happiness Is a Warm Gun de John Lennon ("She's not a girl who misses much") Al final, la imagen se vuelve azul y poco a poco difusa. El sonido se detiene.

Rist cobró fama gracias a Pickelporno (1992), un trabajo sobre el cuerpo femenino, y la excitación sexual. La cámara, con un objetivo ojo de pez se mueve próxima a los cuerpos de una pareja. Las imágenes están cargadas de colores intensos, para percibirlas de una manera extraña, senual y ambigua por el espectador.

Ever is Over All (1997) muestra a cámara lenta a una joven que aplasta una flor tropical en los cristales de coches aparcados. Una policía se acerca y la saluda. El clip ha sido comprado por el MOMA de Nueva York.

Los dieciséis videoclips de Open My Glade fueron reproducidos cada hora en una pantalla en Times Square en Nueva York, una iniciativa del programa Messages to the Public, que existe desde 1980

Arturo Herrera was born in Caracas, Venezuela in 1959, and lives and works in New York and Berlin, Germany. He received a BA from the University of Tulsa, Oklahoma, and an MFA from the University of Illinois at Chicago. Herrera’s work includes collage, work on paper, sculpture, relief, wall painting, photography, and felt wall hangings. His work taps into the viewer’s unconscious, often intertwining fragments of cartoon characters with abstract shapes and partially obscured images that evoke memory and recollection. Using techniques of fragmentation, splicing, and re-contextualization, Herrera’s work is provocative and open-ended. For his collages he uses found images from cartoons, coloring books, and fairy tales, combining fragments of Disney-like characters with violent and sexual imagery to make work that borders between figuration and abstraction and subverts the innocence of cartoon referents with a darker psychology. In his felt works, he cuts shapes from a piece of fabric and pins the fabric to the wall so that it hangs like a tangled form resembling the drips and splatters of a Jackson Pollock painting. Herrera’s wall paintings also meld recognizable imagery with abstraction, but on an environmental scale that he compares to the qualities of dance and music. Herrera has received many awards including, among others, a DAAD Fellowship. He has had solo exhibitions at Centre d’Art Contemporain, Geneva; Dia Center for the Arts, New York; Centro Galego de Arte Contemporánea, Santiago de Compostela; the Whitney Museum of American Art, New York; UCLA Hammer Museum, Los Angeles; and P.S. 1 Contemporary Art Center, New York, among others. His work appeared in the Whitney Biennial (2002).

ZHANG HUAN

Zhang Huan (Chinese: 張洹, born 1965 in Anyang, Henan Province, China) is a Chinese artist based in Shanghai and New York. He made his BA at the He Nan University in Kai Feng (1988) and his MA at the China Central Academy of Fine Arts in Beijing (1993). He is primarily a performance artist but also makes photographs and sculpture.

Zhang Huan began his work as part of a small artistic community, known as the Beijing East Village,^[1] located on the margins of the city. The group of friends from art school pioneered this particular brand of performance in China and Zhang was often reprimanded by officials for the perceived inappropriateness of his actions.

Zhang’s performances always involve his body in one way or another, usually naked, occasionally involving masochistic actions. For example, an exhibited photography showed him as "a naked man, his head half-shaved, sitting in a prisonlike space. His skin was wet and covered with flies. His face looked blank but tough, as if he were trying to meditate his way through pain."^[1]

In a more benign group performance "called 'To Raise the Water Level in a Fishpond', he asked 40 migrant laborers to stand in a pond, their physical presence, presumably, altering its volume. For another titled 'To Add One Meter to an Anonymous Mountain,' he and nine other artists climbed a mountain near Beijing, stripped and lay down on top of one another to create a second, mini-peak."^[1]

Zhang involves the body in his sculptures as well. He makes giant copper hands and feet, magnified versions of fragments of broken Buddhist figures that he found in Tibet.^[1]

By using quasi-religious ritual, he seeks to discover the point at which the spiritual can manifest via the corporeal. He uses simple repetitive gestures, usually regarded as meaningless work-for-work’s-sake chores. Buddhism, with its temple music, sculptures and philosophy are a prevalent theme in Zhang Huan’s work.

His sculpture "Long Ear Ash Head", for example, consists of a massive head made of incense ash and steel. It fuses the artist’s image with the lengthened earlobes representing happiness and good fortune in the Buddhist religion.^[2]

He has exhibited at shows including the 2002 Whitney Biennial and Rituals at the Akademie der Künste in Berlin.

Ryūichi Sakamoto (坂本 龍一 Sakamoto Ryūichi) (Tokio, 17 de enero de 1952), es un músico, compositor y actor japonés, muy conocido por sus bandas sonoras. Ryūichi Sakamoto saltó a la fama como miembro de la banda japonesa Yellow Magic Orchestra con los cofundadores Haruomi Hosono y Yukihiro Takahashi.Ha colaborado en muchos de los discos de David Sylvian. Apareció como actor junto David Bowie en la película Feliz Navidad, Mr. Lawrence (1983 Nagisa Oshima), además de escribir su banda sonora.Ganó un Oscar en 1987 por su banda sonora para El último emperador (1987 Bernardo Bertolucci). Compuso la banda sonora de la película El cielo protector (1989), también dirigida por Bertolucci. En 1992, Sakamoto compuso la música para la apertura de los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992. En 2004 compuso dos canciones en exclusiva para el videojuego Seven Samurai 20XX de Playstation 2, basado en la célebre película Los Siete Samuráis. Es también conocido por ser contrario a las leyes de propiedad intelectual, ya que considera que están obsoletas en la era de la información. A su vez, su conciencia ecológica lo ha llevado a utilizar en sus giras materiales biodegradables y medios de transporte amigables con el medio ambiente.^[1] En 2006 compuso un tema en exclusiva para el teléfono móvil Nokia 8800.

Actualmente Sakamoto es fundador y colaborador de Ap bank. Hasta la cantante Utada Hikaru, una de las mejores cantantes de Japón, hizo una canción llamada Merry Christmas Mr. Lawrence - FYI. Canción dedicada a Ryuichi Sakamoto usando como base la música de la banda sonora de Feliz Navidad, Mr. Lawrence

Koyaanisqatsi es la primera parte de la trilogía de películas llamadas "Qatsi" del director Godfrey Reggio. Se trata de un documental en el que se muestran imágenes de gran impacto emocional sobre el efecto destructivo del mundo moderno en el medio ambiente. Estas imágenes van acompañadas por música compuesta por el minimalista Philip Glass. El nombre de la película significa "Vida fuera de equilibrio" en el dialecto de los Hopi (antigua tribu americana que habitaba en la Meseta central de EEUU) .

La trilogía qatsi (Qatsi trilogy) es el nombre informal dado a la serie de tres películas dirigidas por Godfrey Reggio, producidas, entre otros, por Francis Ford Coppola y Steven Soderbergh, cuya música ha sido compuesta por Philip Glass:

• Koyaanisqatsi: Life out of balance (1983)
• Powaqqatsi: Life in transformation (1988)
• Naqoyqatsi: Life as war (2002)

Los títulos de los filmes son palabras de la tribu nativa norteamericana Hopi, y tienen como denominador común la palabra qatsi, cuyo significado es «vida».

GAO BROTHERS

Gao Zhen 1956 Born in Jinan,China, Gao Qiang 1962 Born in Jinan,China

The Gao Brothers are a pair of artist brothers based in Beijing,They have been collaborating on painting, installation, performance, sculpture, photography and writing since the mid1980s. Their work has been exhibited all over the world,and held in private and museums collections,such like China National Museum,Centre Georges Pompidou,The San Francisco Museum of Modern Art, Kemper Museum of Contemporary Art,Princeton University Art Museum,etc,in China and across the world.

Removable heads and underground exhibitions are just two of the guerrilla tactics the Gao brothers have employed, often with the help of Melanie Ouyang, their broker, to enable fans and friends to view their work. The Gaos are part of a generation of avant-garde Chinese artists who are pushing the boundaries of artistic expression. In the increasingly open Chinese art world, nudity is commonplace where it used to be forbidden, and art parodying the Cultural Revolution has become so ubiquitous that it is passé. Still, the Gaos are a reminder that, especially as China celebrates the 60th anniversary of the Communist revolution, limits to expression remain: although artists are increasingly free to deal with social and political topics, works that explicitly criticize Chinese leaders or symbols of China are still out of bounds.

Edoardo Sanguineti (Génova (Italia), 9 de diciembre de 1930 - ibíd., 18 de mayo de 2010) fue un poeta, crítico literario y profesor italiano.

Durante los años 1960, Sanguineti fue uno de los líderes del movimiento Gruppo 63, del que formaron parte Umberto Eco, Alfredo Giuliani, Elio Pagliarani, Antonio Porta o Nanni Balestrini, un movimiento cultural que revolucionó la escena literaria italiana de los años 60 y que introdujo la neovanguardia en el país.

Así, participó en la escritura de 'I nuovissimi' (1961), una antología poética que marcaría la identidad del grupo y en la que quedó patente su poesía experimental, reflejo de la disolución de los lenguajes cotidianos y de la imposibilidad de comunicarse en la sociedad de consumo.

fundado en 1963. Además de sus trabajos de poesía, también ha traducido numerosas obras, incluyendo trabajos de James Joyce, Molière, William Shakespeare y Bertolt Brecht.

Entre 1979 y 1983, fue miembro de la Cámara de Diputados del Parlamento de Italia.